Как создаются мультфильмы – MultTov Новости Анимации

Сторибординг: Управление взглядом зрителя.

Линник — Wed, 07 Aug 2019 13:55:51 +0000

Одна из проблем, с которой сталкивается каждый сторибордист — как направить взгляд зрителя. Зачастую эскиз истории будет отображаться на экране в течение секунды (или меньше), и очень важно, чтобы зритель понял значение того, что вы пытаетесь сказать в одно мгновение. Таким образом, очень важно знать, как заставить взгляд зрителя идти туда, куда вы хотите, чтобы он смотрел, а не фокусировался на неважных частях эскиза.

(В этом посте я буду ссылаться на «отдел layout». Для тех, кто не знает, что это значит, это отдел, который занимается раскадровками и превращает их в настоящие кадры фильма, создавая «декорации»).

В первых раскадровках художники часто рисовали основную часть действия и не всегда задумывались над тем, как направить взгляд зрителя. Там не было много дополнительной информации, чтобы отвлечь от основной идеи, поэтому направление глаз не было важной частью рассмотрения.

Как бы я ни любил эти рисунки и всю личность в них, времена изменились. В наши дни художники-сторибордисты должны использовать все имеющиеся в их распоряжении инструменты, чтобы помочь рассказать историю наилучшим образом. Обычно это означает больше лейаутов, больше движений камеры и больше поз персонажа. Со всем этими дополнительными линиями, дополнительными элементами становится более важным знать, как управлять глазом зрителя.

Очевидно, что эти идеи, которые я собираюсь обсудить, подходят для рисования, иллюстрации и дизайна. Они использовались на протяжении веков всеми видами художников. Так что, надеюсь, каждый получит что-то из этого обсуждения.

Немного примеров, чтобы показать вам несколько вещей, которые я нашел полезными за эти годы, чтобы направить взгляд зрителя туда, куда я хочу. Они все невероятно просты.

Для нашего первого примера я сделал быстрый, вялый рисунок парня, фотографирующего птицу в лесу. Я сделал этот набросок с двумя интересующими объектами (парень и птица), что, кстати, является большим «нет, нет», когда вы делаете набросок истории. Одно из кардинальных правил эскиза истории заключается в том, что за один раз должна быть представлена только одна идея. Каждая новая идея нуждается в новом наброске. Иначе зрители растеряны и не знают, где искать.
Кроме того, если бы я собирался продать идею, что этот парень делает снимок, это потребовало бы более близкого снимка его и его телефона с камерой, или только телефона, или чего-то еще. Это слишком широко и далеко, чтобы ясно видеть такое тонкое действие.

Но дело в том, что я сделал рисунок с двумя фокусными точками и множеством линий, чтобы показать вам, как управлять глазом зрителя. Итак, поехали …

Вот оригинал. Посмотрите! Сколько линий! Как я могу заставить зрителя посмотреть, где я хочу, чтобы он смотрел?

Фото с сайта sevencamels.blogspot.com

Здесь я добавил детали птице (на первом рисунке) и парню (на втором рисунке). Добавление деталей к области рисунка может помочь привлечь внимание зрителя к этой области рисунка.

То же самое с добавлением текстуры. Сначала ваш взгляд обращается на текстуру, потому что она контрастирует с остальной частью кадра, который представляет собой линии одинакового веса и пустые области белого цвета. ТАК просто добавление текстуры может помочь создать область интереса.

Всегда помните, что сначала глаз всегда будет обращен в область наибольшего контраста. Максимально возможный контраст на любом рисунке или картине – абсолютно черный против абсолютно белого.

Если на снимке есть область с черным на белом, глаз всегда будет идти первым. Если нет чёрного на белом фоне, глаз перейдет в область наибольшего контраста, какой бы она ни была.
Здесь, в каждом примере, я поместил черный на белый в одной области, а затем добавил серый к остальной части кадра, чтобы уменьшить контрастность на остальной части рисунка. Вы можете видеть, как ваш глаз попадает в область наибольшего контраста. Большие серые области сведены к минимуму, и вы принимаете их во вторую очередь.

Помните, что он необязательно должен быть черным против белого, чтобы получить максимальный контраст. Все в кадре, которое контрастирует со всем остальным в кадре, подойдет. Проявите творческий подход и ищите различные способы использования этого эффекта в ваших интересах.

Фото с сайта sevencamels.blogspot.com

Все, что отличается от всего остального в кадре, привлечет внимание зрителя.

Фото с сайта sevencamels.blogspot.com

Если на черно-белом рисунке есть цветное пятно, цвет становится наиболее контрастным и быстро захватывает глаз.

Фото с сайта sevencamels.blogspot.com

Это хороший момент, чтобы сделать паузу и вспомнить, что раскадровка не только заставляет аудиторию смотреть туда, куда мы хотим. Вы также пытаетесь рассказать историю эффективно, а также предлагаете план, который можно превратить в фильм. То, что вы делаете снимок, подобный приведенному выше, и он работает как эскиз истории, это не значит, что он работает как кадр фильма. Как только фильм будет закончен, весь кадр будет в полном цвете, и трюк, который я использовал выше, будет бесполезен. Если важно, чтобы аудитория сфокусировалась на человеке в коричневом, мне придется сначала вставить его крупным планом… или начать с него близко и отступить к этому широкому кадру… или что-то еще, что помогает аудитории сосредоточиться на нем. Ни один специалист по лейауту или специалист по освещению не может сделать широкий снимок выше и уделить так много внимания человеку в толпе, не создавая какого-то странного, неестественного эффекта. Так что имейте это в виду, когда думаете о внимание аудитории с реальным языком фильма, который имеет смысл и рассказывает историю наилучшим образом.

Говоря о раскадровке с прицелом на создание полезного проекта фильма, давайте на минуту рассмотрим вопрос о тоне и о том, насколько он полезен для минимизации контраста, чтобы привлечь внимание зрителя. Как я уже говорил ранее, в старые времена раскадровки художники часто просто добавляли тон и контраст таким образом, чтобы сосредоточить внимание на том, что важно. Очень мало думали о том, как в конечном итоге будет выложена и освещена настоящая сцена. Раскадровки были всего лишь инструментом для выяснения истории и персонажей.

Поэтому, если у вас была такая сцена, вы могли бы просто добавить немного серого тона, чтобы было легче увидеть, что происходит. Команда лайаута взяла бы ваши наброски, выяснила бы, как выложить сцену и осветить ее после того, как она была одобрена для перехода в макет.

Фото с сайта sevencamels.blogspot.com

В наши дни при сжатых графиках производства мы склонны ожидать, что наши художники-сторибордисты будут больше думать о том, как можно освещать сцену. Это потому, что люди, которым приходится превращать раскадровки в настоящий фильм (художники по лейауту, аниматоры, осветители и т. д.), во многих случаях имеют очень мало времени для выполнения своей работы. Как бы ни были удивительны эти люди в решении проблем, если вы дадите им раскадровку, которая не имеет смысла с точки зрения разметки или освещения (или, если уж на то пошло, мудрости), им придется проделать много дополнительной работы, чтобы получить то, что хотят режиссёры. Поэтому мы стараемся не создавать больших головных болей людям, которые будут использовать сториборд в качестве плана для фильма, и мы стараемся делать вещи, которые имеют смысл везде, где это возможно.

Поэтому, чтобы осветить эту комнату, где наш персонаж сидит и читает книгу, я бы выяснил, какое лучшее решение находится в рамках истории. Является ли огонь в камине решением?

Фото с сайта sevencamels.blogspot.com

Лампа для чтения?

Фото с сайта sevencamels.blogspot.com

Могу ли я использовать яркий лунный свет снаружи? Я сомневаюсь, что этот вариант правильный (кто будет сидеть в комнате и читать при лунном свете, идущем в окне?). Но. все зависит от ситуации.

Фото с сайта sevencamels.blogspot.com

Так что рассмотрите освещение, когда вы садитесь на сцену, и что будет возможно и невозможно. Вы решаете проблемы для других людей, работая над сценой, или просто создаете головные боли? Освещение – это важная часть того, как вы создаете настроение для сцены, которую нужно учитывать на этапе раскадровки. Например, если ночью два человека идут по пустынной дороге, вам нужно подумать о том, как установить соответствующее настроение. Это страшная сцена? Если так, то, может быть, это безлунная ночь, и между ними есть только маленький фонарик… и его батареи разряжаются.

Но если вы хотите, чтобы одна и та же сцена была романтической, вам бы хотелось создать совершенно другое освещение. Может быть, есть полная луна, которая излучает свет повсюду. Может быть, есть светлячки. Возможно, двое из них несут фонарь или факел… все, что создает лучшее освещение для понимания настроения, которое вы пытаетесь создать, и подходит для периода времени и персонажей. И, задумавшись над этим на этапе раскадровки, мы можем помочь всем остальным в процессе создания фильма.

В зависимости от настроения, которого вы пытаетесь достичь, лучше подойдет резкий контрастный свет (например, в страшной или динамичной сцене) или мягкий, прозрачный свет (для романтического или более легкого момента). Все эти вещи должны быть рассмотрены художником раскадровки, когда они думают о сцене. Наша задача – рассказать историю наилучшим образом, а освещение и настроение являются ценным инструментом в нашем распоряжении. Даже если вы сделаете выбор, который в конечном итоге будет отклонен как неправильный выбор для сцены, вы помогли всем лучше понять, какой именно выбор является правильным в данном конкретном случае.

Итак, почему есть некоторые другие простые и легкие способы направить взгляд зрителя?
Перспектива – это всегда легкий путь. Если у вас есть сильные линии, созданные точкой схода вашего рисунка, используйте это, чтобы указать на то, на чем мы должны сосредоточиться.

Я не сторонник прямых линий в моей перспективе (как вы можете сказать). Я просто рисую все, что выглядит правильно (конечно, я не делаю ничего такого, что было бы настолько обманом, что это было бы бесполезно для отдела лейаута). Я не рисую супер-прямые линии и проверяю, что все сходится точно … много раз, когда люди точны со своей точки зрения, все равно это выглядит отвлекающим и жестким (по крайней мере, для меня). Так что знайте, как работает точка с одной, двумя и тремя точками зрения, но не перебарщивайте в точности. Хорошая композиция всегда важнее, чем точная и точная перспектива (хотя со мной люди могут не согласиться).

Кроме того, вы можете нарисовать все в композиции так, чтобы она указывала туда, куда вы хотите, чтобы зритель посмотрел на то, что важно. Такие вещи, как растения, деревья, дороги, знаки и т. д., Бесконечно поддаются изменению, чтобы указывать на центр интереса.

Вес линии может иметь большое значение при создании иерархии того, на что важно смотреть, а что – просто фона. Посмотрите на этот рисунок человека в галерее:

Фото с сайта sevencamels.blogspot.com

Все одинаково яркие линии создают путаницу. Все одинаково важно. Но если я перерисовываю фон, неважные картины менее ярко…

Фото с сайта sevencamels.blogspot.com

Это устраняет все графические путаницы, и вы можете сосредоточиться на том, что важно.
Это еще один полезный трюк с раскадровкой, который необходимо учитывать, когда вы спрашиваете себя, что будет полезно для лейаута. В таком случае я бы узнал, какова будет ситуация с освещением в галерее. Я определенно добавил бы освещение к этому эскизу истории, чтобы подчеркнуть две важные части эскиза (человека и ту картину). Но я привожу это здесь в качестве примера того, как использовать яркость линии, чтобы минимизировать путаницу и улучшить читаемость.

(Лично я сомневаюсь, что в любом случае мы бы спроектировали такую галерею. Это довольно беспорядочный беспорядок картин!)

Говоря о картинах… последний способ, которым я могу придумать, чтобы направить взгляд, – это старый трюк «кадр в кадре». Если вы создаете рамку внутри своей композиции, вы можете поместить самый важный элемент (или элементы) в рамку, и глаз будет притягиваться к этому месту как к центру интереса в композиции.

Фото с сайта sevencamels.blogspot.com

Снова, проявите творческий подход с этим. Да, вы можете использовать двери или окна, но возможности безграничны. Любой тип «меньшей сцены» в пределах большей рамки будет работать.

Я надеюсь, что это помогает, и все это имеет смысл. Извините за неопрятные рисунки, я сделал их в спешке. Все эти приемы попадают в категорию настолько простых, что кажутся немного бесполезными, но если вы посмотрите на работу великих иллюстраторов и художников, они уже давно эффективно используют эти приемы. И, как я всегда говорю, простые вещи – это то, что люди принимают как должное и забывают в первую очередь. Но если вы помните простые вещи, они могут оказать огромное влияние на эффективное общение и сделать разницу между тем, что работает, и тем, что не пригодится!
Автор Марк Кеннеди

Источник @dorogovsanimationinstitute

Оригинал

Сообщение Сторибординг: Управление взглядом зрителя. появились сначала на MultTov Новости Анимации.

51 упражнение для совершенствования анимации

Линник — Sun, 10 Mar 2019 08:37:43 +0000

Здесь собраны 51 упражнение для совершенствования Вашей анимации. Многие уже слышали о них, и применяют для оттачивания, для кого-то это новость. 51 упражнение поделили на четыре уровня в зависимости от сложности. Выполнение этих упражнений позволит Вам усовершенствовать свои работы по анимации предметов и персонажей, а также закрепить 12 принципов.

Фото с сайта animatorisland.com

51 упражнение для совершенствования анимации подготовили Animator Island еще в 2013 году, но и сегодня их актуальность не утрачена. Ниже список из 51 упражнения который поможет достичь положительный эффект. Не обращайте внимание на их простоту, на этих правилах строится анимация.

Уровень 1:

1) Мяч прыгает на месте (зацикленная анимация)
2) Мяч прыгает через весь экран
3) Кирпич падает с полки на землю

4) Простой поворот головы персонажа
5) Персонаж поворачивает голову с подготовкой к действию
6) Персонаж моргает
7) Персонаж думает (показать мыслительный процесс)
8) Подвешенный мешок муки раскачивается
9) Мешок муки прыгает
10) Мешок муки падает (циклично либо с ударом о землю)
11) Мешок муки пинает мяч

Уровень 2:

12) Изменение эмоции персонажа ( с радости на грусть, с грусти на злость и тд)
13) Персонаж перепрыгивает (пустоту, щель, обрыв…)
14) Персонаж встает со стула
15) Цикл ходьбы
16) Персонаж прыгает на pogo stick
17) Персонаж смеется
18) Персонаж чихает

19) Персонаж дотягивается до предмета на самой верхней полке
20) Очень быстрое движение ( смазано, размытие)
21) Персонаж делает глубокий вдох
22) Дерево падает
23) Персонажа что-то ударяет ( мяч, кирпич, книга)
24) Цикл бега

Уровень 3:

25) Крупный план сжатия ладони в кулак
26) Крупный план того, как рука поднимает что-то небольшое
27) Персонаж поднимает что-то тяжелое
28) Перекрывающиеся действие ( пушистые волосы, “мягкие” уши, хвост)
29) Персонаж рисует
30) Забивание молотком гвоздя
31) Перемешивание супа в котелке и пробование супа с ложки
32) Персонаж надувает шарик
33) Персонаж жонглирует (цикл)
34) Испуганный персонаж выглядывает из-за угла
35) Персонаж пытается что-то сказать, но не знает как

36) Персонаж застегивает куртку на молнию
37) Персонаж облизывает и закрывает конверт
38) Встает с земли
39) Персонаж нажимает кнопку лифта и ждет

Уровень 4:

40) Персонаж есть кекс
41) Объект падает в воду

42) 2 персонажа перетягивают канат
43) Персонаж достает колоду карт
44) полный процесс чистки зубов
45) Лист бумаги падает вниз (по ветру)
46) Пробежка вдоль всего экрана с изменением направления
47) Спящий персонаж вскакивает от будильника и возвращается в сонное положение
48) Открытие кухонного шкафчика и перемещение/изъятие чего-то внутри
49) Надевание брюк
50) Открытие лучшего в мире подарка + эмоциональная реакция на содержимое
51) Выберите любое предыдущее упражнение и сделайте его в сравнении двух персонажей: очень легкого и очень тяжелого

Для иллюстрации использована фото с сайта animatorisland.com

Сообщение 51 упражнение для совершенствования анимации появились сначала на MultTov Новости Анимации.

Анимагия: как создаются современные мультфильмы на примере ЗВЕРОПОЛИС

Multtov — Sun, 04 Nov 2018 09:46:16 +0000

Город Зверополис. В центре действия – кролик Джулия Хопс, которая с детства мечтала стать полицейским. Не обращая внимание на беспокойство родителей, она окончила полицейскую академию с отличием и едет на поиски счастья.

Как получается, что мы верим и сопереживаем кролику-полицейскому? Как выдуманная история заставляет плакать, смеяться и тем временем собирает миллионы долларов в прокате? Создание мультфильмов – это, конечно, романтично, но прежде всего это конвейер. В хорошем смысле.

Производство анимационного кино не зря называют «pipeline». Пайплайн, он же конвейер – это производственная система, в которой рабочий процесс разделен на последовательные стадии, чтобы увеличить продуктивность.

От студии к студии, от режиссера к режиссеру, от проекта к проекту производственный процесс меняют и адаптируют под нужды и возможности.

Неизменными остаются лишь три основные этапа:

1.Препродакшн – формирование идеи и концепции;

2.Продакшн – работа со всеми задачами;

3.Постпродакшн – коррекция, сбор готового материала.

Но отмотаем немного назад. Перед запуском конвейер нужно продумать и найти деньги на запуск. Именно с планирования начинается производство анимационного фильма.

Идея – универсальное топливо для запуска любого продакшна. Светлая, свежая, актуальная идея, которая зажжет свет и нажмет кнопку ON.

Анимационный пайплайн

Важно понимать, что «идея» – это и стартовая площадка, и наставник на каждом этапе процесса. Идея подсказывает, куда можно идти, а куда нет. Если придерживаться этого простого правила – финальный результат будет целостным.

Рассмотрим нудную изначальную схему на примере очень целостного и идейного мультфильма студии Disney – «Зверополис».

Кадр из фильма «Зверополис»

Идея

«Зверополис» начался со светлой мысли Байрона Ховарда, говоря, давненько Дисней не выпускаль мультфильм о антропоморфных (очеловеченных) зверей. Так он и сказал главе студии, каких в свою очередь сказал: «Не слова больше. Езжайте в Африку, изучайте животный мир, а что будет дальше – решим».

Команда супервайзеров проекта во время исследовательской поездки в Африку

Создатели фильма провели время в Африке, узнали о привычках разных видов животных, изучили их распорядок дня и нашли интригующий момент – водопой.

Водопой – неотделимая часть существования абсолютно всех видов. Это такая себе нейтральная территория, где хищники и травоядные находятся совсем рядом. Да, они все еще подозрительно смотрят один на другого, с подозрением осматриваются. Но именно этот момент перемирия ради выживания, и стал основой мультфильма. Эволюция.

Сценарий

Следующий этап состоит из понимания масштаба собранной информации: ее сортируют, анализируют и начинают строить логические цепочки.

Все начинается с синопсиса – нескольких страниц текста про главное. Это как фундамент на стройке, очень важный этап. Выбирают главного героя, его оппонентов – кого-то или что-то, что нарушит его равновесие, пути ее восстановления и то, в чем главный герой в этот момент научится. У большинства фильмов и мультфильмов используется трехтактная структура рассказа:

1-й акт: вступление + завязка;

2-й акт: развитие действий + кульминация;

3-й акт: развязка + эпилог.

Именно на этой стадии определяют основных героев, проблематику и сюжетные повороты. Снова и снова.

Когда синопсис устраивает сценариста, режиссера и продюсера, команда начинает процесс наполнения истории деталями: образы героев, последовательность действий, второстепенные сюжетные линии и персонажи. Чтобы написать сценарий для мультфильма, который в среднем займет 120 – 150 страниц текста, нужно много времени: кроме самого сюжета следует уточнить интерьер, экстерьер, разбивку на секвенции (последовательность взаимосвязанных сцен).

В то время, пока пишется сценарий, все производство не может позволить себе сидеть без дела. Поэтому параллельно запускаются следующие конвейерные ленты: раскадровка и дизайн.

Здесь можно посмотреть сценарий «Зверополиса» в оригинале.

Раскадровка

Стори-артисты, они же раскадровщики, отвечают за первую визуализацию проекта. Они могут все еще окончательно не знать, как выглядят герои и на что похож их мир, но они точно знают, что происходит в каждой секвенции, динамично или статично развивается действие, какуе эмоции и состояние нужно вызвать у зрителя.

Сторибордисты начинают делать маленькие зарисовки – thumbnails, в которых виден формат кадра, его план (дальний, средний, крупный), размещение камеры (прямо, снизу, сверху) и линию ее движения (по горизонтали, по вертикали, статично или динамично). Они формируют кинематографическое пространство и постепенно наполняют его существенными деталями.

Рисунки схематичные, поэтому что их главное условие – узнаваемость. На другое нет времени, потому что на одну версию фильма разрабатывают десятки, а то и сотни тысяч раскадровок. Да, на одну версию. А сложить фильм с первого раза практически невозможно.

Аниматик

Собранные в один видеоролик кадры сториботда вместе с черновым звуком складывают аниматик – черновик фильма

(вот как они выглядели).

На больших студиях черновые сборки делают примерно раз в 4 месяца. Именно столько нужно команде из примерно 25 стори-артистов на то, чтобы нарисовать и собрать аниматик.

Сторибордисты «Зверополиса»

Дальше устраивают групповые просмотры, после которых – комментарии и обсуждения на тему того, что работает, что стоит переделать, а от чего нужно вообще отказаться.

Например, так выглядят удаленные сцены мультфильма.

Большинство американских проектов выделяется на фоне конкурентов за счет больших финансовых возможностей, которые покрывают время поиска «правильной» версии фильма. Тут как и с любой работой: глаз замыливается, мозги устают, не замечают ошибок и не генерируют новых идей. Нужно время, чтобы подумать.

Дизайн

Мультфильмы – это форма визуального искусства. Поэтому большая роль предоставляется visual development – созданию всех визуальных образов. Благодаря грамотному, осознанному дизайну, проекту удается установить мощный контакт со зрителем и донести ему ту идею, которая была вложена режиссером с самого начала.

Концептуальный подход – то, что отличает работающий дизайн от неработающего. Его суть в том, что все дизайн-решения связаны между собой и работают на одну идею.

Есть хорошая аналогия с выбором одежды. Чтобы подобрать образ, нужно сначала понять цели. Например, я одеваюсь на свидание. Оцениваю возможности – выбираю с вещей, какие есть в наличии, или думаю, что можно приобрести. Конкретизирую задачу зависимо от места свидания: если это ресторан – подойдет платье, прогулка в горах – джинсы. Если лето – одену сарафан и туфли, зимой – колготки, платье, сапоги, пальто, шапку, шарф. Учитываю пожелания пары – любит сдержанные, строгие образы или свободные, комфортные. Добавлю собственный контекст: какой я хочу показать себя? Сдержанной или резкой, романтичной или дерзкой? Еще не забыть о том, чтобы вещи объединялись и создавали полноценный образ. Как вы уже поняли, нет понятия «правильный образ», есть только «образ, который отвечает поставленной цели».

Именно этим и занимаются дизайнеры на производстве – оценивают информацию с сценария, ожидания и предпочтения режиссера, технические возможности по реализации. Они собирают и перерабатывают информацию, стремятся найти те дизайн-решения, которые позволят подать образ и мировоззрение героя нужном для истории свете.

Дизайн-поиски главных героев Джуди Хопс и Ника Вайлда

Кроме дизайна персонажей важной визуальной составляющей есть виртуальные миры, в которых происходят события. Тут учитывают географию, культуру, эпоху, погоду, освещение, цвета, масштаб… Все для того, чтобы зритель поверил в существование этого мира. И даже больше – захотел там оказаться.

Такие миры всегда наделены определенными визуальными характеристиками, чтобы легко ориентироваться в сюжете. Например, все мы понимаем, что дома в городе и в деревне отличаются, солнце в Арктике и Сахаре воспринимается по-разному, горы в Китае совсем не похожи на Карпаты. Важно учитывать все это, чтобы создать правильную атмосферу.

Этот отдел тоже починает работу параллельно с дизайн-проектированием. Специалисты воссоздают все визуальные идеи и образы в 3D, поэтому здесь очень важна коммуникация между отделами. Утвердить дизайн – отправить в 3D. У 3D возникли вопросы – отправить назад в дизайн.

Чтобы таких «ходок» было меньше, дизайнеры должны придумать красоту, а потом объяснить, как ее реализовать. Показать, как выглядит персонаж с разных сторон или прикрепить визуальные ориентиры того, как должна выглядеть шерсть, с какого материала пошить одежду и много другого. По сути, дизайнеры создают инструкцию по эксплуатации соих идей. И чем они понятнее – тем быстрее будет идти работа в остальных отделах.

Пример дизайн-уточнений для правильной визуализации в 3D

Основные направления 3D – это:

1. Моделирование – формирование всех объектов. Это можно сранить с лепкой глины, где сначала оттачивают основные формы, а потом работают над деталями.

2. Текстурирование – обработка 3D-моделей, чтобы придать текстуру, фактуру, локальных цветов и свойств материалам.

3. Layout – создание заготовок для всех локаций, чтобы протестировать и настроить работу камер, определить масштаб и рельеф местности. На них отыграют черновую игру персонажей, и в случае несоответствия одного другому – корректируют. Выглядит это так.

4.Риггинг – создание шарнирного скелета внутри моделей персонажей, который состоит из взаимосвязанных опорных точек. Например, когда мы улыбаемся, мы задействуем не только кончики губ, но и все мышцы лица. Все эти визуальные мышцы нужно соединить между собой на этапе риггинга, чтобы персонаж улыбался правдоподобно, а не как серийный киллер

Тест анимации Джуди Хопс

Анимация

Наконец переходим к тому этапу, который лучше заметен в финальном продукте – к движениям и жестам. Чтобы аниматорам было что анимировать, свою работу должны уже выполнить сценаристы, дизайнеры, 3D отдел. Даже больше – должно быть записано чистовое озвучивание, где актер профессионально отыграет реплики своего персонажа, ведь аниматору придётся не только подобрать определенные движения и действия, но и движение губ. Посмотрите закулисное видео записи чистовой озвучки.

Аниматоры часто сами становятся актёрами, когда анимируют персонажей. Ведь очень трудно создать что-то правдоподобное, не опираясь на что-то реальное. Они отыгрывают роль, смотрят на себя со стороны, повторяют основные движения, создают блокинг – заготовку движений, и постепенно отшлифовывают анимацию, делают ее плавной. Это очень важно – идти от общего к частному, чтобы не терять время на переделки.

Парадокс в том, что персонажи мультфильма придуманы, но их движения должны быть реалистичными. Без анимационной стилизации и преувеличений они будут выглядеть как настоящие куклы. А у аниматоров стоит задача не просто отыграть сцену, но и заставить зрителя поверить в то, что персонаж думает и чувствует.

Также для качественной анимации аниматоры должны неплохо знать физику – силу притяжения, инерцию, массу, сопротивление и много другого. Только посмотрите, как может меняться один кадр – от референса до финальной анимации.

Zootopia Progression Reel from Shaofu Zhang on Vimeo.

Симуляция и спецэффекты.

Видели количество волосинок на животных Зверополиса? А воду, которая брызгает капельками? Дым, что идет с труб и ветер, который шевелит листья? Надеемся, вы не думаете, что Дисней настолько жестокий, что заставляет аниматоров двигать все в ручную.

Команда технарей Зверополиса гладит и изучает зверушек

На самом деле существует особенный отдел, который занимается программной симуляцией всех этих действий. Программисты создают программное обеспечение, чтобы решать определенные технические трудности.

У Зверополиса особенный акцент был на создание правдоподобной шерсти. Для этого провели исследования разных типов шерсти, проанализировали ее размер, густоту, движение, отражение света. Все для того, чтобы в итоге зритель сам захотел погладить всех этих героев. Если хотите узнать о работе специалистов больше, посмотрите это видео.

Освещение

Идем дальше. Представьте себе ситуацию: вы убрали в квартире, украсили ее, приготовили блюда, красиво оделись, пришли гости и … у вас выключили свет. С окна чуть-чуть видно луну. Да, силуэты можно рассмотреть, но вау-эффекта не произошло. И ваши гости не промах – один нашел свечи, другой новогодние гирлянды, кто-то включил вспышку на телефоне и вдруг комната заиграла новыми красками.

Так вот, специалисты по освещению – это как гости, работа которых над мультфильмом очень важная, потому что без света:

а) ничего не видно;

б) нет той особенной атмосферы, которая необходима истории.

Задача этого отдела – отвечать за визуальную разработку решений относительно цвета и света, а также – «Да будет свет!»

Каждый кадр (бывший ключ) отвечает одной секвенции. Он задает настрой действиям, тип и место основного источника освещения, силу, цвет и температуру света, его взаимодействие с объектами. Это дежурная инструкция, которую стоит повторять один в один (за редким исключением).

Почему важно не придумывать ничего нового? Сценарий цветов содержит целостность. Некоторые кадры плавно перетекают один в другой – там нет острых сюжетных поворотов. Некоторые наоборот резко сменяют один другого – ведь именно так меняется рассказ. Самые яркие цвета, например, могут означать самый счастливый момент. Поэтому следующий кадр не может быть ярче и насыщение чем этот, иначе первый кадр уже не будет самым радостным. Для целостности проекта важно придерживаться правил проведения с цветом и светом.

В каждом кадре, независимо от того, насколько он светлый и яркий, есть большое количество источников освещения. Это нужно, для того, чтобы тени не мешали, не заслоняли лицо персонажам, чтобы кадр был визуально эстетичным. Как на профессиональной фотосъемке.

Compositing & rendering

Финальная стадия производства. Волшебники этого отдела собирают весь хаос со всех предыдущих этапов пайплайна и превращают в мультфильм. Кроме сборки и сведения звука, на этапе компостинга происходит финальная коррекция сделанного материала: небольшие спецэффекты в виде blur, светокоррекция, баланс черного и белого. На этой стадии происходит финальная проверка, иногда небольшие изменения монтажа – последовательности или скорость отображения сцен.

Рендермены, а точнее их компьютеры, обрабатывают и экспортируют весь проект и получают на выходе финальный продукт весом в несколько сотен гигабайт. А пока идет процесс рендера, команда наслаждается отдыхом.

600 работников Walt Disney возле студии в Калифорнии

Анимационный пайплайн – это налаженная система, где каждый отдел и каждый участник – незаменимый элемент огромного механизма. Самостоятельность, умение слушать, думать вперед и прогнозировать возможные проблемы – делает с вас не просто творческую единицу, а и высококлассного профессионала. А быть частью этого волшебного конвейера – сплошное удовольствие.

Источник

Как создаются мультфильмы – MultTov Новости Анимации

Сторибординг: Управление взглядом зрителя.

51 упражнение для совершенствования анимации

Уровень 1:

Уровень 2:

Уровень 3:

Уровень 4:

Анимагия: как создаются современные мультфильмы на примере ЗВЕРОПОЛИС

Читайте также: