(В этом посте я буду ссылаться на «отдел layout». Для тех, кто не знает, что это значит, это отдел, который занимается раскадровками и превращает их в настоящие кадры фильма, создавая «декорации»).

В первых раскадровках художники часто рисовали основную часть действия и не всегда задумывались над тем, как направить взгляд зрителя. Там не было много дополнительной информации, чтобы отвлечь от основной идеи, поэтому направление глаз не было важной частью рассмотрения.

Как бы я ни любил эти рисунки и всю личность в них, времена изменились. В наши дни художники-сторибордисты должны использовать все имеющиеся в их распоряжении инструменты, чтобы помочь рассказать историю наилучшим образом. Обычно это означает больше лейаутов, больше движений камеры и больше поз персонажа. Со всем этими дополнительными линиями, дополнительными элементами становится более важным знать, как управлять глазом зрителя.

Очевидно, что эти идеи, которые я собираюсь обсудить, подходят для рисования, иллюстрации и дизайна. Они использовались на протяжении веков всеми видами художников. Так что, надеюсь, каждый получит что-то из этого обсуждения.

Немного примеров, чтобы показать вам несколько вещей, которые я нашел полезными за эти годы, чтобы направить взгляд зрителя туда, куда я хочу. Они все невероятно просты.

Для нашего первого примера я сделал быстрый, вялый рисунок парня, фотографирующего птицу в лесу. Я сделал этот набросок с двумя интересующими объектами (парень и птица), что, кстати, является большим «нет, нет», когда вы делаете набросок истории. Одно из кардинальных правил эскиза истории заключается в том, что за один раз должна быть представлена только одна идея. Каждая новая идея нуждается в новом наброске. Иначе зрители растеряны и не знают, где искать.
Кроме того, если бы я собирался продать идею, что этот парень делает снимок, это потребовало бы более близкого снимка его и его телефона с камерой, или только телефона, или чего-то еще. Это слишком широко и далеко, чтобы ясно видеть такое тонкое действие.

Но дело в том, что я сделал рисунок с двумя фокусными точками и множеством линий, чтобы показать вам, как управлять глазом зрителя. Итак, поехали …

Вот оригинал. Посмотрите! Сколько линий! Как я могу заставить зрителя посмотреть, где я хочу, чтобы он смотрел?

Фото с сайта sevencamels.blogspot.com

Здесь я добавил детали птице (на первом рисунке) и парню (на втором рисунке). Добавление деталей к области рисунка может помочь привлечь внимание зрителя к этой области рисунка.

То же самое с добавлением текстуры. Сначала ваш взгляд обращается на текстуру, потому что она контрастирует с остальной частью кадра, который представляет собой линии одинакового веса и пустые области белого цвета. ТАК просто добавление текстуры может помочь создать область интереса.

Всегда помните, что сначала глаз всегда будет обращен в область наибольшего контраста. Максимально возможный контраст на любом рисунке или картине – абсолютно черный против абсолютно белого.

Если на снимке есть область с черным на белом, глаз всегда будет идти первым. Если нет чёрного на белом фоне, глаз перейдет в область наибольшего контраста, какой бы она ни была.
Здесь, в каждом примере, я поместил черный на белый в одной области, а затем добавил серый к остальной части кадра, чтобы уменьшить контрастность на остальной части рисунка. Вы можете видеть, как ваш глаз попадает в область наибольшего контраста. Большие серые области сведены к минимуму, и вы принимаете их во вторую очередь.

Помните, что он необязательно должен быть черным против белого, чтобы получить максимальный контраст. Все в кадре, которое контрастирует со всем остальным в кадре, подойдет. Проявите творческий подход и ищите различные способы использования этого эффекта в ваших интересах.

Фото с сайта sevencamels.blogspot.com

Все, что отличается от всего остального в кадре, привлечет внимание зрителя.

Фото с сайта sevencamels.blogspot.com

Если на черно-белом рисунке есть цветное пятно, цвет становится наиболее контрастным и быстро захватывает глаз.

Фото с сайта sevencamels.blogspot.com

Это хороший момент, чтобы сделать паузу и вспомнить, что раскадровка не только заставляет аудиторию смотреть туда, куда мы хотим. Вы также пытаетесь рассказать историю эффективно, а также предлагаете план, который можно превратить в фильм. То, что вы делаете снимок, подобный приведенному выше, и он работает как эскиз истории, это не значит, что он работает как кадр фильма. Как только фильм будет закончен, весь кадр будет в полном цвете, и трюк, который я использовал выше, будет бесполезен. Если важно, чтобы аудитория сфокусировалась на человеке в коричневом, мне придется сначала вставить его крупным планом… или начать с него близко и отступить к этому широкому кадру… или что-то еще, что помогает аудитории сосредоточиться на нем. Ни один специалист по лейауту или специалист по освещению не может сделать широкий снимок выше и уделить так много внимания человеку в толпе, не создавая какого-то странного, неестественного эффекта. Так что имейте это в виду, когда думаете о внимание аудитории с реальным языком фильма, который имеет смысл и рассказывает историю наилучшим образом.

Говоря о раскадровке с прицелом на создание полезного проекта фильма, давайте на минуту рассмотрим вопрос о тоне и о том, насколько он полезен для минимизации контраста, чтобы привлечь внимание зрителя. Как я уже говорил ранее, в старые времена раскадровки художники часто просто добавляли тон и контраст таким образом, чтобы сосредоточить внимание на том, что важно. Очень мало думали о том, как в конечном итоге будет выложена и освещена настоящая сцена. Раскадровки были всего лишь инструментом для выяснения истории и персонажей.

Поэтому, если у вас была такая сцена, вы могли бы просто добавить немного серого тона, чтобы было легче увидеть, что происходит. Команда лайаута взяла бы ваши наброски, выяснила бы, как выложить сцену и осветить ее после того, как она была одобрена для перехода в макет.

Фото с сайта sevencamels.blogspot.com

В наши дни при сжатых графиках производства мы склонны ожидать, что наши художники-сторибордисты будут больше думать о том, как можно освещать сцену. Это потому, что люди, которым приходится превращать раскадровки в настоящий фильм (художники по лейауту, аниматоры, осветители и т. д.), во многих случаях имеют очень мало времени для выполнения своей работы. Как бы ни были удивительны эти люди в решении проблем, если вы дадите им раскадровку, которая не имеет смысла с точки зрения разметки или освещения (или, если уж на то пошло, мудрости), им придется проделать много дополнительной работы, чтобы получить то, что хотят режиссёры. Поэтому мы стараемся не создавать больших головных болей людям, которые будут использовать сториборд в качестве плана для фильма, и мы стараемся делать вещи, которые имеют смысл везде, где это возможно.

Поэтому, чтобы осветить эту комнату, где наш персонаж сидит и читает книгу, я бы выяснил, какое лучшее решение находится в рамках истории. Является ли огонь в камине решением?

Фото с сайта sevencamels.blogspot.com

Лампа для чтения?

Фото с сайта sevencamels.blogspot.com

Могу ли я использовать яркий лунный свет снаружи? Я сомневаюсь, что этот вариант правильный (кто будет сидеть в комнате и читать при лунном свете, идущем в окне?). Но. все зависит от ситуации.

Фото с сайта sevencamels.blogspot.com

Так что рассмотрите освещение, когда вы садитесь на сцену, и что будет возможно и невозможно. Вы решаете проблемы для других людей, работая над сценой, или просто создаете головные боли? Освещение – это важная часть того, как вы создаете настроение для сцены, которую нужно учитывать на этапе раскадровки. Например, если ночью два человека идут по пустынной дороге, вам нужно подумать о том, как установить соответствующее настроение. Это страшная сцена? Если так, то, может быть, это безлунная ночь, и между ними есть только маленький фонарик… и его батареи разряжаются.

Но если вы хотите, чтобы одна и та же сцена была романтической, вам бы хотелось создать совершенно другое освещение. Может быть, есть полная луна, которая излучает свет повсюду. Может быть, есть светлячки. Возможно, двое из них несут фонарь или факел… все, что создает лучшее освещение для понимания настроения, которое вы пытаетесь создать, и подходит для периода времени и персонажей. И, задумавшись над этим на этапе раскадровки, мы можем помочь всем остальным в процессе создания фильма.

В зависимости от настроения, которого вы пытаетесь достичь, лучше подойдет резкий контрастный свет (например, в страшной или динамичной сцене) или мягкий, прозрачный свет (для романтического или более легкого момента). Все эти вещи должны быть рассмотрены художником раскадровки, когда они думают о сцене. Наша задача – рассказать историю наилучшим образом, а освещение и настроение являются ценным инструментом в нашем распоряжении. Даже если вы сделаете выбор, который в конечном итоге будет отклонен как неправильный выбор для сцены, вы помогли всем лучше понять, какой именно выбор является правильным в данном конкретном случае.

Итак, почему есть некоторые другие простые и легкие способы направить взгляд зрителя?
Перспектива – это всегда легкий путь. Если у вас есть сильные линии, созданные точкой схода вашего рисунка, используйте это, чтобы указать на то, на чем мы должны сосредоточиться.

Я не сторонник прямых линий в моей перспективе (как вы можете сказать). Я просто рисую все, что выглядит правильно (конечно, я не делаю ничего такого, что было бы настолько обманом, что это было бы бесполезно для отдела лейаута). Я не рисую супер-прямые линии и проверяю, что все сходится точно … много раз, когда люди точны со своей точки зрения, все равно это выглядит отвлекающим и жестким (по крайней мере, для меня). Так что знайте, как работает точка с одной, двумя и тремя точками зрения, но не перебарщивайте в точности. Хорошая композиция всегда важнее, чем точная и точная перспектива (хотя со мной люди могут не согласиться).

Кроме того, вы можете нарисовать все в композиции так, чтобы она указывала туда, куда вы хотите, чтобы зритель посмотрел на то, что важно. Такие вещи, как растения, деревья, дороги, знаки и т. д., Бесконечно поддаются изменению, чтобы указывать на центр интереса.

Вес линии может иметь большое значение при создании иерархии того, на что важно смотреть, а что – просто фона. Посмотрите на этот рисунок человека в галерее:

Фото с сайта sevencamels.blogspot.com

Все одинаково яркие линии создают путаницу. Все одинаково важно. Но если я перерисовываю фон, неважные картины менее ярко…

Фото с сайта sevencamels.blogspot.com

Это устраняет все графические путаницы, и вы можете сосредоточиться на том, что важно.
Это еще один полезный трюк с раскадровкой, который необходимо учитывать, когда вы спрашиваете себя, что будет полезно для лейаута. В таком случае я бы узнал, какова будет ситуация с освещением в галерее. Я определенно добавил бы освещение к этому эскизу истории, чтобы подчеркнуть две важные части эскиза (человека и ту картину). Но я привожу это здесь в качестве примера того, как использовать яркость линии, чтобы минимизировать путаницу и улучшить читаемость.

(Лично я сомневаюсь, что в любом случае мы бы спроектировали такую галерею. Это довольно беспорядочный беспорядок картин!)

Говоря о картинах… последний способ, которым я могу придумать, чтобы направить взгляд, – это старый трюк «кадр в кадре». Если вы создаете рамку внутри своей композиции, вы можете поместить самый важный элемент (или элементы) в рамку, и глаз будет притягиваться к этому месту как к центру интереса в композиции.

Фото с сайта sevencamels.blogspot.com

Снова, проявите творческий подход с этим. Да, вы можете использовать двери или окна, но возможности безграничны. Любой тип «меньшей сцены» в пределах большей рамки будет работать.

Я надеюсь, что это помогает, и все это имеет смысл. Извините за неопрятные рисунки, я сделал их в спешке. Все эти приемы попадают в категорию настолько простых, что кажутся немного бесполезными, но если вы посмотрите на работу великих иллюстраторов и художников, они уже давно эффективно используют эти приемы. И, как я всегда говорю, простые вещи – это то, что люди принимают как должное и забывают в первую очередь. Но если вы помните простые вещи, они могут оказать огромное влияние на эффективное общение и сделать разницу между тем, что работает, и тем, что не пригодится!
Автор Марк Кеннеди

Источник @dorogovsanimationinstitute

Оригинал

Сообщение Сторибординг: Управление взглядом зрителя. появились сначала на MultTov Новости Анимации.

2 сентября в школе Projector стартует годовая обучающая программа по компьютерной графике — CG ART Professium. Где будут рассматриваться разные сферы –эстетику комикса, графику для игр и кино, компьютерную иллюстрацию.

Для работы в каждом из этих направлений художнику нужно портфолио. Мы разобрались, каким оно должно быть? Как его собрать? Что сделать, чтобы портфолио запомнилось? И к чему здесь проектное мышление?

Рассказывает куратор курса CG ART Professium в Projector и художник американской студии Magic Hill Animation Tory Polska.

Шаг 1. Разбираем антресоль

Главное, что нужно понимать — портфолио презентует тебя как конкретного исполнителя. Оно ни в коем

Tory Polska, фото: Наталия Азаркина c сайта pryvit.media

случае не может напоминать домашнюю антресоль, заваленную ненужными, забытыми вещами, которые просто жаль выбросить. Портфолио должно быть максимально конкретным, относиться напрямую к тому направлению, в котором ты хочешь получить работу.

Если планируешь нырнуть в гейм-индустрию, покажи релевантные примеры. Не буклеты или логотипы, какими классными они бы тебе не казались. Если ты на самом деле умеешь делать разные вещи, тебе нужны разные портфолио — соответственно разных нишей рынка.

Все должно быть лаконично и конкретно. Лучше недоговорить, чем перенасытить. Работодатель должен захотеть увидеть больше. И конечно, нужно отбирать только сильнейшие работы.
Мы объективно не объективны к собственным работам. Если ты долгие недели возился над чем-то, и тебе жаль выбросить работу з портфолио, нужно себя заставить. Твое портфолио — не метро для ностальгии.

Шаг 2. Ищем систему

В начале своей карьеры, я занималась непонятным фрилансом и мечтала про заграничные студии. Поэтому начала учить портфолио художников, которые уже там работали. Где-то после пятого начинаешь видеть определенную системность. Их портфолио не были подборками случайных работ, сделанных вовремя фриланса и стажировок.

Успешные художники презентовали собственные проекты — разработанные специально для портфолио. Это были приквелы и сиквелы кинофильмов, переосмысленные герои сказок, собственные истории и т. д. Выбранная тема объединяла все работы, придавала им тон и настроение. Эти портфолио были целостными и системными, а концептуальное мышление художника можно было проследить от картинки к картинке.

Когда работаешь только с одним рисунком, с единичным заказом, сложно смотреть на него концептуально и целостно. Ведь ты развиваешь только одну часть своих умений. Чаще такие картинки выглядят, как упражнения по написанию одной и той же буквы в детсаду. Когда же работаешь над проектом, шире привлекаешь свое концептуальное мышление.

Также проектное портфолио продемонстрирует потенциальному заказчику твою усидчивость и определенную профессиональную стабильность.

Свой первый полноценный проет для портфолио я сделала на онлайн-курсе у художника из Disney — и именно это портфолио привело меня на первый 3D-мультфильм в Украине «Никита Кожемяка».

Шаг 3. Учимся проектно

Есть много способов наработать себе проектное портфолио. Наблюдать за трендами, вдохновляться путем других, брать участие в коллективных проектах — хороший способ собрать больше реакций и распространения своих работ.

Можно начинать самостоятельно, но сложно представить реальный процесс, которого ты никогда не видел. Поэтому важно поработать под руководством профи, который направит и научит максимально эффективно соединять время и усилия.

Для этого нужно найти ментора или хороший начальный курс. Выпускные и промежуточные задания могут стать хорошим началом первого самостоятельного проекта. К тому же, на курсе сразу есть фидбек.

В этом году, мы с коллегой Татьяной Бульбой, 2D-художником в Playtech, запускаем годовой курс CG ART Professium в Projector. Поскольку моя работа уже давно перешла на проектный уровень, то и программу мы построили вокруг этого.

Много курсов сосредотачиваются на работе с точечными навыками: перспектива, анатомия, теория цвета. По завершению вы выходите с круглым инструментарием, но без понимания, что с ним делать дальше. Мы взяли это во внимание и поработали в обратном направлении — начали с результатов, которые хотим, чтобы достигли наши студенты. Поэтому они будут работать над проектами, приближенными к реальности рынка, и постепенно будут закреплять знания и техники.

Групповая работа на курсе дает возможность создать модель реальной работы с возможностью менять собственную позицию в процессе. Кто-то привык создавать дизайн, а кто-то — красить готовый лайн. Кто-то работает только с персонажами, к кто-то — с локациями. Групповой опыт даст возможность попробовать себя в разных этапах с разным уровнем ответственности.

Tory Polska показывает процесс разработки портфолио

Шаг 4. Ищем фидбек

Если на обучающих курсах вы получите достаточно отклика и советов, то во время самостоятельной работы вам будет не хватать взгляда со стороны. Не бойтесь писать людям с индустрии, чьему мнению вы доверяете. Выберите ТОП художников, чьи взгляды на работу совпадают с вашими и попросите их оценить ваши работы.

Обязательно напишите примерное вступление — почему вы обращаетесь за советом именно к этому человеку, почему его мнение важно. Точно сформируйте свою просьбу. Например: «Мне очень импонирует ваша работа с цветом, а что вы думаете про мой подход к этому?» Это должно быть лаконично и грамотно.

Когда я оформляла свое первое портфолио, я сложила список из двадцати художников, чье мнение мне хотелось бы услышать. Примерно, это те художники, которых ты лайкаеш на Facebook, а они тебя нет. Из двадцати, мне ответили, человек шестнадцать — все написали развернутый ответ, обратили внимание на разные вещи, что помогло мне получить один сложный полноценный фидбек. Я поняла, какие моменты нужно учитывать в дальнейшей работе.

Шаг 5. Рассказываем о портфолио всем.
(на самом деле, всем-всем)

Раскидать свои сети нужно максимально широко, ведь никогда не знаешь, когда и кто в них запутается.

Портфолио должно быть не только классным, а и заметным. Поэтому приберегите силы к финалу — чтобы презентовать, рассказать, расширить в соцсетях, залить на все возможные сайты, опубликовать в пабликах. В этой индустрии нужно всегда учитывать обычную удачу — оказаться в нужном месте в нужное время.

Нужно посмотреть, какая специфика и условные правила ведения страницы на каждом сайте. Например, ArtStation и Behance — это конкретные сайты-портфолио, где ты создаешь оформление страницы. А в социальных сетях есть фид, и там работают другие «алгоритмы». Стоит следить даже за временем публикаций. Если ты ориентируешься на американский рынок, нужно выходить в ленту поздно вечером, когда у них утро. В социальных сетях можно постить свои зарисовки, эскизы. Это будет умеренное напоминание о себе. На противовес Facebook и Instagram есть LinkedIn. В этой сети стоит вести себя максимально профессионально и быть требовательнее к собственному контенту. Тут строятся четкие профессиональные контакты, а значит — это не место для спама, тебя просто заблокируют.

Шаг 6. Изучаем опыт других

Преподаватели курса рассказывают про работы из своего портфолио.

Tory Polska: «С начала воплощения моего плана захвата Disney я работала над десятью собственными и восемью рабочими проектами. Этот опыт помог сформировать целостный подход к решению любого задания, что в дальнейшем стало моей «фишкой».

Один из моих личных проектов был переосмыслением истории про мишек Редвол («Redwall»). Я хотела создать очень милый и добрый мир с тайнами и опасностями. Чем больше я погружалась в его создание, тем больше вопросов возникало, и тем больше ответов должен был предоставит мой дизайн. В итоге это привело меня к простым и стилизованным формам с реалистичным драматическим освещением».

Tata Che — «Game of Thrones»

Дизайнер персонажей Tata Che почти полгода работала над собственным проектом, который в итоге

Tata Che
Фото с сайта pryvit.media

оказался одной картинкой. Это линейка карикаторных персонажей к сериалу «Игра Престолов».

Tata Che: «Этот арт я вначале задумала просто как тренировка для удовлетворения, ни про какое портфолио речь не шла. Я начала делать черно-белый эскиз общей группы, представляя, кого хочу нарисовать, но отталкиваясь от общей композиции и массы. Я определяла для них форму, ритм и цвет в общей композиции. Во время этих экспериментов, я пришла к тому, что это борьба за власть, и поэтому все так или иначе стремятся к центру композиции, где находится Железный Трон — символ власти. Важно было сохранить напряженность в композиции, которая возрастала бы к центру. Чтобы персонажи не просто стояли один около другого, а имели свою позу, которая бы разкрывала именно характер каждого».

Фото с сайта pryvit.media

«Обычно, я работала над проектом не каждый день, но в сумме получилось почти 5 месяцев работы. И хоть я начинала этот проект скорее ради практики и удовольствия, он получился очень полезным для моего пиара. Во-первых, популярность сериала обеспечила живой отклик на персонажей, появилось много подписчиков и заказчиков. На сегодня этому проекту уже года два, но ко мне до сих пор приходят люди со ссылкой именно на этот арт, и заказывают у мена работу. Директор американского полнометражного мультфильма, на котором я работаю уже полтора года, признался, что он следил на LinkedIn за развитием проекта и взял меня на работу именно из-за него».

Андрей Иванов — «MerMay»

Фото с сайта pryvit.media

MerMay — это международный челенж для художников и дизайнеров, который проводят каждый год в мае (игра слов — Mermaid+May). По правилам участник обязывается каждый день, на протяжении месяца рисовать одну русалку с разными характерами и настроением.

Андрей Иванов, Concept Artist в Plarium, решил отойти от правил — и создал масштабный проект, который собрал не мало поклонников.

Изображение Андрея Иванова для проекта MerMay Фото с сайта pryvit.media

Андрей Иванов: «Моя идея заключалась в том, что я решил рисовать не разных русалок каждый день, а рассказать небольшую историю про одну. Я нарисовал первую картинку с портретом русалки Мей, и он очень зашел публике. Когда я работал над эскизами для следующей русалки, то понял, что у меня есть идея для полноценной история. В итоге удалось спланировать кадры до конца. Хоть я и отошел от правил челенджа — не постил новый фрейм каждый день — но это абсолютно на мешало проекту набирать популярность».

Автор Юлия Клебан

Источник

Сообщение 6 шагов к успешному портфолио CG-художника появились сначала на MultTov Новости Анимации.

Анимация! Вы выбрали это средство чтобы выразить себя в нем. Это список всех необходимых «инструментов»: рисование, тайминг, фразировка, движение, актерская игра, пантомима, инсценировка, воображение, наблюдение, интерпретация, логика, карикатура, творческий подход, ясность, эмпатия и так далее — невероятное множество условий.

Вы можете расслабиться. Эти инструменты есть у вас с рождения. Многие из них ещё нужно отточить, другие возможно пробудить из глубокого сна, но всё это часть вас, также как руки, ноги, глаза, почки, гемоглобин и дар речи.

Чтение и наблюдение — два освободителя спящих областей ума. Читайте классику, биографии, юмор, мистику, комиксы. Наблюдайте, наблюдайте, наблюдайте! Будьте как губка — впитывайте всё на что можете положить глаз. Ищите необычное, общее, характеры, ситуации, композиции, отношение, изучайте формы, черты лица, персоналии, активности, детали и так далее.
Рисуйте идеи, не вещи; движение, не позы; наброски, не анатомические построения.

Я отсканировал некоторые черновые анимационные рисунки чтобы напомнить вам стиль рисования, который является целью лучших аниматоров — свободный, небрежный и выразительный.

Фото @dorogovsanimationin

Фото @dorogovsanimationin

Фото @dorogovsanimationin

Ведите к эмоции

Хорошо построенный рисунок должен содержать в себе все части, прекрасно скомпанованные между собой, но это не то что вы должны увидеть когда смотрите на него. То что вы должны увидеть — это эмоция. В рисунке голодного человека вы должны увидеть страх и голод и отчаяние, и вы должны чувствовать это, плюс жалость и отвращение и злость. Все наброски не должны быть настолько драматичными, но они точно больше чем их части.

Проделайте эксперимент: возьмите деревянную спичку и посмотрите на неё. Она изображает вашу модель или персонаж в анимации. Затем подожгите её и потушите на середине. Теперь она представляет вашу модель или персонаж в наброске.

Фото @dorogovsanimationin

Набросок должен быть преображен из анатомичной спички в сгоревшую спичку. Если вам нужно нарисовать сгоревшую спичку вы вряд ли скажете себе: «Окей, это анатомия спички.». Нет, вы скажете: «Это спичка, анатомия которой сгорела и извилась в мучительную форму. Форма такая, что если бы я был в этом состоянии — чувство если бы то что произошло со спичкой, случилось бы также и со мной — именно это чувство мне нужно нарисовать, сделать его портрет.».

Мы должны быть эмоциональны к нашему объекту, будь это серьезные происшествия или комичные. Мы не можем отключить наши эмоции — если мы так сделаем, результат будет всего лишь анатомичной репродукцией. Рисунок или сцена не закончены когда сделано материальное представление; он закончен когда было создано чувственное описание эмоции.

Смысл не только в истории, но в изображении, которое делает эту историю живой. Да, есть анатомия, конструкция, модель и две или три линии всяких несущественных дополнений, но они важны настолько, насколько эти вещи выражают историю.

Дать переживание

Рисование для анимации это не просто копирование модели на бумагу; для этого лучше подойдет камера. Рисование для анимации это преобразование действия в рисованную форму так, что зритель может обратно преобразовать эти рисунки в переживание действия. Вам не нужно просто показывать зрителю действие чтобы он его увидел. Вам нужно визуализировать действие чтобы он увидел что это на самом деле, чтобы он испытал переживание. Таким путем вы заманиваете его под свой контроль, свою силу, и когда история продолжается – зритель следует за ней, потому что он вовлечен. Вы можете позволить им испытать это.

Части фигуры должны соединяться таким образом, чтобы изобразить или преувеличить смысл позы. Иначе это будет просто рисунок. Какая ужасная участь — быть просто рисунком.

Ниже несколько рисунков из анимации которые превосходят анатомию и модель персонажей. Это хорошие рисунки, но не просто рисунки.

Фото @dorogovsanimationin

Итак, главный совет Аниматору —
Наблюдать, наблюдать, наблюдать
Из книги “Gesture drawing for animation” , автор Walt Stanchfield

Сообщение ЧТО НУЖНО КАЖДОМУ АНИМАТОРУ появились сначала на MultTov Новости Анимации.

Сообщение Величайшая ошибка начинающего аниматора появились сначала на MultTov Новости Анимации.