Создание анимации – MultTov Новости Анимации https://multtov.net.ua новости анимации и мультипликации Wed, 07 Aug 2019 13:55:51 +0000 ru-RU hourly 1 https://wordpress.org/?v=5.7.15 https://multtov.net.ua/wp-content/uploads/2018/11/cropped-logo-Mult-Tov-krug2-32x32.png Создание анимации – MultTov Новости Анимации https://multtov.net.ua 32 32 Сторибординг: Управление взглядом зрителя. https://multtov.net.ua/article/storibording-upravlenie-vzglyadom-zritelya.html https://multtov.net.ua/article/storibording-upravlenie-vzglyadom-zritelya.html#respond Wed, 07 Aug 2019 13:55:51 +0000 https://multtov.net.ua/?p=5230 Одна из проблем, с которой сталкивается каждый сторибордист — как направить взгляд зрителя. Зачастую эскиз истории будет отображаться на экране в течение секунды (или меньше), и очень важно, чтобы зритель понял значение того, что вы пытаетесь сказать в одно мгновение. Таким образом, очень важно знать, как заставить взгляд зрителя идти туда, куда вы хотите, чтобы он смотрел, а не фокусировался на неважных частях эскиза. (В этом посте я буду ссылаться на «отдел layout». Для тех, кто не знает, что это значит, это отдел, который занимается раскадровками и превращает их в настоящие кадры фильма, создавая «декорации»). В первых раскадровках художники часто рисовали основную часть действия и не всегда задумывались над тем, как направить взгляд зрителя. Там не было много дополнительной информации, чтобы отвлечь от основной идеи, поэтому направление глаз не было важной частью рассмотрения. Как бы я ни любил эти рисунки и всю личность в них, времена изменились. В наши дни художники-сторибордисты должны использовать все имеющиеся в их распоряжении инструменты, чтобы помочь рассказать историю наилучшим образом. Обычно это означает больше лейаутов, больше движений камеры и больше поз персонажа. Со всем этими дополнительными линиями, дополнительными элементами становится более важным знать, как управлять глазом зрителя. Очевидно, что эти идеи, которые я собираюсь обсудить, подходят для рисования, иллюстрации и дизайна. Они использовались на протяжении веков всеми видами художников. Так что, надеюсь, каждый получит что-то из этого обсуждения. Немного примеров, чтобы показать вам несколько вещей, которые я нашел полезными за эти годы, чтобы направить взгляд зрителя туда, куда я хочу. Они все невероятно просты. Для нашего первого примера я сделал быстрый, вялый рисунок парня, фотографирующего птицу в лесу. Я сделал этот набросок с двумя интересующими объектами (парень и птица), что, кстати, является большим «нет, нет», когда вы делаете набросок истории. Одно из кардинальных правил эскиза истории заключается в том, что за один раз должна быть представлена только одна идея. Каждая новая идея нуждается в новом наброске. Иначе зрители растеряны и не знают, где искать. Кроме того, если бы я собирался продать идею, что этот парень делает снимок, это потребовало бы более близкого снимка его и его телефона с камерой, или только телефона, или чего-то еще. Это слишком широко и далеко, чтобы ясно видеть такое тонкое действие. Но дело в том, что я сделал рисунок с двумя фокусными точками и множеством линий, чтобы показать вам, как управлять глазом зрителя. Итак, поехали … Вот оригинал. Посмотрите! Сколько линий! Как я могу заставить зрителя посмотреть, где я хочу, чтобы он смотрел? Здесь я добавил детали птице (на первом рисунке) и парню (на втором рисунке). Добавление деталей к области рисунка может помочь привлечь внимание зрителя к этой области рисунка. То же самое с добавлением текстуры. Сначала ваш взгляд обращается на текстуру, потому что она контрастирует с остальной частью кадра, который представляет собой линии одинакового веса и пустые области белого цвета. ТАК просто добавление текстуры может помочь создать область интереса. Всегда помните, что сначала глаз всегда будет обращен в область наибольшего контраста. Максимально возможный контраст на любом рисунке или картине – абсолютно черный против абсолютно белого. Если на снимке есть область с черным на белом, глаз всегда будет идти первым. Если нет чёрного на белом фоне, глаз перейдет в область наибольшего контраста, какой бы она ни была. Здесь, в каждом примере, я поместил черный на белый в одной области, а затем добавил серый к остальной части кадра, чтобы уменьшить контрастность на остальной части рисунка. Вы можете видеть, как ваш глаз попадает в область наибольшего контраста. Большие серые области сведены к минимуму, и вы принимаете их во вторую очередь. Помните, что он необязательно должен быть черным против белого, чтобы получить максимальный контраст. Все в кадре, которое контрастирует со всем остальным в кадре, подойдет. Проявите творческий подход и ищите различные способы использования этого эффекта в ваших интересах. Все, что отличается от всего остального в кадре, привлечет внимание зрителя. Если на черно-белом рисунке есть цветное пятно, цвет становится наиболее контрастным и быстро захватывает глаз. Это хороший момент, чтобы сделать паузу и вспомнить, что раскадровка не только заставляет аудиторию смотреть туда, куда мы хотим. Вы также пытаетесь рассказать историю эффективно, а также предлагаете план, который можно превратить в фильм. То, что вы делаете снимок, подобный приведенному выше, и он работает как эскиз истории, это не значит, что он работает как кадр фильма. Как только фильм будет закончен, весь кадр будет в полном цвете, и трюк, который я использовал выше, будет бесполезен. Если важно, чтобы аудитория сфокусировалась на человеке в коричневом, мне придется сначала вставить его крупным планом… или начать с него близко и отступить к этому широкому кадру… или что-то еще, что помогает аудитории сосредоточиться на нем. Ни один специалист по лейауту или специалист по освещению не может сделать широкий снимок выше и уделить так много внимания человеку в толпе, не создавая какого-то странного, неестественного эффекта. Так что имейте это в виду, когда думаете о внимание аудитории с реальным языком фильма, который имеет смысл и рассказывает историю наилучшим образом. Говоря о раскадровке с прицелом на создание полезного проекта фильма, давайте на минуту рассмотрим вопрос о тоне и о том, насколько он полезен для минимизации контраста, чтобы привлечь внимание зрителя. Как я уже говорил ранее, в старые времена раскадровки художники часто просто добавляли тон и контраст таким образом, чтобы сосредоточить внимание на том, что важно. Очень мало думали о том, как в конечном итоге будет выложена и освещена настоящая сцена. Раскадровки были всего лишь инструментом для выяснения истории и персонажей. Поэтому, если у вас была такая сцена, вы могли бы просто добавить немного серого тона, чтобы было легче увидеть, что происходит. Команда лайаута взяла бы ваши наброски, выяснила бы, как выложить сцену и осветить ее после того, как она была одобрена для перехода в макет. В наши дни при сжатых графиках производства мы склонны ожидать, что наши художники-сторибордисты будут больше думать о том, как можно освещать сцену. Это потому, что люди, которым приходится превращать раскадровки в настоящий фильм (художники по лейауту, аниматоры, осветители и т. д.), во многих случаях имеют очень мало времени для выполнения своей работы. Как бы ни были удивительны эти люди в решении проблем, если вы дадите им раскадровку, которая не […]

Сообщение Сторибординг: Управление взглядом зрителя. появились сначала на MultTov Новости Анимации.

]]> Одна из проблем, с которой сталкивается каждый сторибордист — как направить взгляд зрителя. Зачастую эскиз истории будет отображаться на экране в течение секунды (или меньше), и очень важно, чтобы зритель понял значение того, что вы пытаетесь сказать в одно мгновение. Таким образом, очень важно знать, как заставить взгляд зрителя идти туда, куда вы хотите, чтобы он смотрел, а не фокусировался на неважных частях эскиза.

(В этом посте я буду ссылаться на «отдел layout». Для тех, кто не знает, что это значит, это отдел, который занимается раскадровками и превращает их в настоящие кадры фильма, создавая «декорации»).

В первых раскадровках художники часто рисовали основную часть действия и не всегда задумывались над тем, как направить взгляд зрителя. Там не было много дополнительной информации, чтобы отвлечь от основной идеи, поэтому направление глаз не было важной частью рассмотрения.

Управление взглядом зрителя в анимации Управление взглядом зрителя в анимации Управление взглядом зрителя в анимации Управление взглядом зрителя в анимации Управление взглядом зрителя в анимации Управление взглядом зрителя в анимации Управление взглядом зрителя в анимации Управление взглядом зрителя в анимации

Как бы я ни любил эти рисунки и всю личность в них, времена изменились. В наши дни художники-сторибордисты должны использовать все имеющиеся в их распоряжении инструменты, чтобы помочь рассказать историю наилучшим образом. Обычно это означает больше лейаутов, больше движений камеры и больше поз персонажа. Со всем этими дополнительными линиями, дополнительными элементами становится более важным знать, как управлять глазом зрителя.

Очевидно, что эти идеи, которые я собираюсь обсудить, подходят для рисования, иллюстрации и дизайна. Они использовались на протяжении веков всеми видами художников. Так что, надеюсь, каждый получит что-то из этого обсуждения.

Немного примеров, чтобы показать вам несколько вещей, которые я нашел полезными за эти годы, чтобы направить взгляд зрителя туда, куда я хочу. Они все невероятно просты.

Для нашего первого примера я сделал быстрый, вялый рисунок парня, фотографирующего птицу в лесу. Я сделал этот набросок с двумя интересующими объектами (парень и птица), что, кстати, является большим «нет, нет», когда вы делаете набросок истории. Одно из кардинальных правил эскиза истории заключается в том, что за один раз должна быть представлена только одна идея. Каждая новая идея нуждается в новом наброске. Иначе зрители растеряны и не знают, где искать.
Кроме того, если бы я собирался продать идею, что этот парень делает снимок, это потребовало бы более близкого снимка его и его телефона с камерой, или только телефона, или чего-то еще. Это слишком широко и далеко, чтобы ясно видеть такое тонкое действие.

Но дело в том, что я сделал рисунок с двумя фокусными точками и множеством линий, чтобы показать вам, как управлять глазом зрителя. Итак, поехали …

Вот оригинал. Посмотрите! Сколько линий! Как я могу заставить зрителя посмотреть, где я хочу, чтобы он смотрел?

Управление взглядом зрителя в анимации

Фото с сайта sevencamels.blogspot.com

Здесь я добавил детали птице (на первом рисунке) и парню (на втором рисунке). Добавление деталей к области рисунка может помочь привлечь внимание зрителя к этой области рисунка.

Управление взглядом зрителя в анимации Управление взглядом зрителя в анимации

То же самое с добавлением текстуры. Сначала ваш взгляд обращается на текстуру, потому что она контрастирует с остальной частью кадра, который представляет собой линии одинакового веса и пустые области белого цвета. ТАК просто добавление текстуры может помочь создать область интереса.

Управление взглядом зрителя в анимации Управление взглядом зрителя в анимации

Всегда помните, что сначала глаз всегда будет обращен в область наибольшего контраста. Максимально возможный контраст на любом рисунке или картине – абсолютно черный против абсолютно белого.

Если на снимке есть область с черным на белом, глаз всегда будет идти первым. Если нет чёрного на белом фоне, глаз перейдет в область наибольшего контраста, какой бы она ни была.
Здесь, в каждом примере, я поместил черный на белый в одной области, а затем добавил серый к остальной части кадра, чтобы уменьшить контрастность на остальной части рисунка. Вы можете видеть, как ваш глаз попадает в область наибольшего контраста. Большие серые области сведены к минимуму, и вы принимаете их во вторую очередь.

Управление взглядом зрителя в анимации Управление взглядом зрителя в анимации

Помните, что он необязательно должен быть черным против белого, чтобы получить максимальный контраст. Все в кадре, которое контрастирует со всем остальным в кадре, подойдет. Проявите творческий подход и ищите различные способы использования этого эффекта в ваших интересах.

Управление взглядом зрителя в анимации

Фото с сайта sevencamels.blogspot.com

Все, что отличается от всего остального в кадре, привлечет внимание зрителя.

Управление взглядом зрителя в анимации

Фото с сайта sevencamels.blogspot.com

Если на черно-белом рисунке есть цветное пятно, цвет становится наиболее контрастным и быстро захватывает глаз.

Управление взглядом зрителя в анимации

Фото с сайта sevencamels.blogspot.com

Это хороший момент, чтобы сделать паузу и вспомнить, что раскадровка не только заставляет аудиторию смотреть туда, куда мы хотим. Вы также пытаетесь рассказать историю эффективно, а также предлагаете план, который можно превратить в фильм. То, что вы делаете снимок, подобный приведенному выше, и он работает как эскиз истории, это не значит, что он работает как кадр фильма. Как только фильм будет закончен, весь кадр будет в полном цвете, и трюк, который я использовал выше, будет бесполезен. Если важно, чтобы аудитория сфокусировалась на человеке в коричневом, мне придется сначала вставить его крупным планом… или начать с него близко и отступить к этому широкому кадру… или что-то еще, что помогает аудитории сосредоточиться на нем. Ни один специалист по лейауту или специалист по освещению не может сделать широкий снимок выше и уделить так много внимания человеку в толпе, не создавая какого-то странного, неестественного эффекта. Так что имейте это в виду, когда думаете о внимание аудитории с реальным языком фильма, который имеет смысл и рассказывает историю наилучшим образом.

Говоря о раскадровке с прицелом на создание полезного проекта фильма, давайте на минуту рассмотрим вопрос о тоне и о том, насколько он полезен для минимизации контраста, чтобы привлечь внимание зрителя. Как я уже говорил ранее, в старые времена раскадровки художники часто просто добавляли тон и контраст таким образом, чтобы сосредоточить внимание на том, что важно. Очень мало думали о том, как в конечном итоге будет выложена и освещена настоящая сцена. Раскадровки были всего лишь инструментом для выяснения истории и персонажей.

Поэтому, если у вас была такая сцена, вы могли бы просто добавить немного серого тона, чтобы было легче увидеть, что происходит. Команда лайаута взяла бы ваши наброски, выяснила бы, как выложить сцену и осветить ее после того, как она была одобрена для перехода в макет.

Управление взглядом зрителя в анимации

Фото с сайта sevencamels.blogspot.com

В наши дни при сжатых графиках производства мы склонны ожидать, что наши художники-сторибордисты будут больше думать о том, как можно освещать сцену. Это потому, что люди, которым приходится превращать раскадровки в настоящий фильм (художники по лейауту, аниматоры, осветители и т. д.), во многих случаях имеют очень мало времени для выполнения своей работы. Как бы ни были удивительны эти люди в решении проблем, если вы дадите им раскадровку, которая не имеет смысла с точки зрения разметки или освещения (или, если уж на то пошло, мудрости), им придется проделать много дополнительной работы, чтобы получить то, что хотят режиссёры. Поэтому мы стараемся не создавать больших головных болей людям, которые будут использовать сториборд в качестве плана для фильма, и мы стараемся делать вещи, которые имеют смысл везде, где это возможно.

Поэтому, чтобы осветить эту комнату, где наш персонаж сидит и читает книгу, я бы выяснил, какое лучшее решение находится в рамках истории. Является ли огонь в камине решением?

Управление взглядом зрителя в анимации

Фото с сайта sevencamels.blogspot.com

Лампа для чтения?

Управление взглядом зрителя в анимации

Фото с сайта sevencamels.blogspot.com

Могу ли я использовать яркий лунный свет снаружи? Я сомневаюсь, что этот вариант правильный (кто будет сидеть в комнате и читать при лунном свете, идущем в окне?). Но. все зависит от ситуации.

Управление взглядом зрителя в анимации

Фото с сайта sevencamels.blogspot.com

Так что рассмотрите освещение, когда вы садитесь на сцену, и что будет возможно и невозможно. Вы решаете проблемы для других людей, работая над сценой, или просто создаете головные боли? Освещение – это важная часть того, как вы создаете настроение для сцены, которую нужно учитывать на этапе раскадровки. Например, если ночью два человека идут по пустынной дороге, вам нужно подумать о том, как установить соответствующее настроение. Это страшная сцена? Если так, то, может быть, это безлунная ночь, и между ними есть только маленький фонарик… и его батареи разряжаются.

Но если вы хотите, чтобы одна и та же сцена была романтической, вам бы хотелось создать совершенно другое освещение. Может быть, есть полная луна, которая излучает свет повсюду. Может быть, есть светлячки. Возможно, двое из них несут фонарь или факел… все, что создает лучшее освещение для понимания настроения, которое вы пытаетесь создать, и подходит для периода времени и персонажей. И, задумавшись над этим на этапе раскадровки, мы можем помочь всем остальным в процессе создания фильма.

В зависимости от настроения, которого вы пытаетесь достичь, лучше подойдет резкий контрастный свет (например, в страшной или динамичной сцене) или мягкий, прозрачный свет (для романтического или более легкого момента). Все эти вещи должны быть рассмотрены художником раскадровки, когда они думают о сцене. Наша задача – рассказать историю наилучшим образом, а освещение и настроение являются ценным инструментом в нашем распоряжении. Даже если вы сделаете выбор, который в конечном итоге будет отклонен как неправильный выбор для сцены, вы помогли всем лучше понять, какой именно выбор является правильным в данном конкретном случае.

Итак, почему есть некоторые другие простые и легкие способы направить взгляд зрителя?
Перспектива – это всегда легкий путь. Если у вас есть сильные линии, созданные точкой схода вашего рисунка, используйте это, чтобы указать на то, на чем мы должны сосредоточиться.

Управление взглядом зрителя в анимации Управление взглядом зрителя в анимации

Я не сторонник прямых линий в моей перспективе (как вы можете сказать). Я просто рисую все, что выглядит правильно (конечно, я не делаю ничего такого, что было бы настолько обманом, что это было бы бесполезно для отдела лейаута). Я не рисую супер-прямые линии и проверяю, что все сходится точно … много раз, когда люди точны со своей точки зрения, все равно это выглядит отвлекающим и жестким (по крайней мере, для меня). Так что знайте, как работает точка с одной, двумя и тремя точками зрения, но не перебарщивайте в точности. Хорошая композиция всегда важнее, чем точная и точная перспектива (хотя со мной люди могут не согласиться).

Кроме того, вы можете нарисовать все в композиции так, чтобы она указывала туда, куда вы хотите, чтобы зритель посмотрел на то, что важно. Такие вещи, как растения, деревья, дороги, знаки и т. д., Бесконечно поддаются изменению, чтобы указывать на центр интереса.

пример персонажа Направление взгляда на персонаж

Вес линии может иметь большое значение при создании иерархии того, на что важно смотреть, а что – просто фона. Посмотрите на этот рисунок человека в галерее:

персонаж в галерее

Фото с сайта sevencamels.blogspot.com

Все одинаково яркие линии создают путаницу. Все одинаково важно. Но если я перерисовываю фон, неважные картины менее ярко…

Выделение персонажа на фоне

Фото с сайта sevencamels.blogspot.com

Это устраняет все графические путаницы, и вы можете сосредоточиться на том, что важно.
Это еще один полезный трюк с раскадровкой, который необходимо учитывать, когда вы спрашиваете себя, что будет полезно для лейаута. В таком случае я бы узнал, какова будет ситуация с освещением в галерее. Я определенно добавил бы освещение к этому эскизу истории, чтобы подчеркнуть две важные части эскиза (человека и ту картину). Но я привожу это здесь в качестве примера того, как использовать яркость линии, чтобы минимизировать путаницу и улучшить читаемость.

(Лично я сомневаюсь, что в любом случае мы бы спроектировали такую галерею. Это довольно беспорядочный беспорядок картин!)

Говоря о картинах… последний способ, которым я могу придумать, чтобы направить взгляд, – это старый трюк «кадр в кадре». Если вы создаете рамку внутри своей композиции, вы можете поместить самый важный элемент (или элементы) в рамку, и глаз будет притягиваться к этому месту как к центру интереса в композиции.

Окно в окне

Фото с сайта sevencamels.blogspot.com

Снова, проявите творческий подход с этим. Да, вы можете использовать двери или окна, но возможности безграничны. Любой тип «меньшей сцены» в пределах большей рамки будет работать.

Я надеюсь, что это помогает, и все это имеет смысл. Извините за неопрятные рисунки, я сделал их в спешке. Все эти приемы попадают в категорию настолько простых, что кажутся немного бесполезными, но если вы посмотрите на работу великих иллюстраторов и художников, они уже давно эффективно используют эти приемы. И, как я всегда говорю, простые вещи – это то, что люди принимают как должное и забывают в первую очередь. Но если вы помните простые вещи, они могут оказать огромное влияние на эффективное общение и сделать разницу между тем, что работает, и тем, что не пригодится!
Автор Марк Кеннеди

Источник @dorogovsanimationinstitute

Оригинал

Сообщение Сторибординг: Управление взглядом зрителя. появились сначала на MultTov Новости Анимации.

]]> https://multtov.net.ua/article/storibording-upravlenie-vzglyadom-zritelya.html/feed 0 Хороший пре-продакшн https://multtov.net.ua/article/horoshij-pre-prodakshn.html https://multtov.net.ua/article/horoshij-pre-prodakshn.html#respond Wed, 27 Feb 2019 05:06:10 +0000 https://multtov.net.ua/?p=4030 Фил 3D рассказывает с примерами, что такое хороший пре-продакшн , и почему иногда работу стоит делать два раза. Описано: что  входит в подготовительный период, почему ему стоит уделять много внимания. Делать мультфильмы нелегко. Поэтому либо вы осознанно проводите большом объем подготовительно работы, либо проводите его потом исправляя ошибки. Для того, чтобы написать этот пост, мне пришлось… К нам в студию часто попадают проекты от молодых ребят (как правило, энтузиастов и самоучек) с просьбой принять участие, дать фидбек или купить/дать денег на их проект. Практически у всех у них есть одна общая черта – при ознакомлении с таким проектом нам приходится самим додумывать большую или меньшую его часть, полагаясь на свое видение. Специально для новоиспеченных аниматоров и игроделов этот пост. Итак, у вас есть гениальный сценарий чего бы то ни было, наброски персонажей и видение картинки в целом. Вы считаете, что самая интеллектуальная часть пути пройдена и теперь проект можно запускать в продакшн или попытаться его продать. На самом деле, на этом этапе проект можно запустить только в пре-продакшн. Для того, чтобы вашу идею можно было купить (ну или украсть, как тоже считают некоторые), нужно иметь ее материальное воплощение, максимально приближенное в вашему видению (чтобы не пришлось додумывать за вас). В первую очередь потому, что это заставит любого продюсера или компанию отнестись к вам серьезно. Поэтому, не стоит забегать вперед и недооценивать пре-продакшн, а уж тем более пренебрегать им. Пре-продакшн включает в себя следующие этапы: Концепт арты Разработка персонажей Разработка окружения Фоны Сториборд/раскадровка Аниматик Колорскрипт Разнообразные 3D тесты Запись голосов Эта незыблемая основа во всех студиях мира, имеющая особенности и разные степени детализации. Всем понятно, что эти процессы позволяют подробно представить, как будет выглядеть мультфильм. Но мало кто задумывается, что так же эти процессы позволяют точно определить будущий бюджет мультфильма, либо понять, с помощью каких приемов и методов можно в него уложиться (если бюджет уже определен). На этапе продакшена нет места экспериментам, когда материал попадает в «цех», любое изменение будет обходиться в значительный промежуток времени, что неизбежно повлечет за собой нарушение графика работ. Для любой студии это означает потерю денег. Поэтому, как говорит одна небезызвестная героиня мультфильма, лучше еще раз подумать, перед тем как подумать. В целом, пре-продакшн позволяет детально проработать историю в 3 направлениях: визуальная составляющая, художественный замысел и техническая специфика. Работа команды, как правило, начинается с работы с референсами. Собираются целые доски, которые могут включать в себя как целые изображения, так и какието части. Рис. 1. Референсая доска команды мультфильма «Жизнь прекрасна»   Параллельно идет разработка персонажей и отрисовка ключевых сцен будущего мультфильма. Обычно художники начинают рисовать концепт-арты, которые иллюстрируют ключевые сцены мультфильма или просто ищут вдохновения, отталкиваясь от образов, посетивших их во время чтения сценария или общения с режиссером. Пока идет происходит художественный поиск, на свет рождается довольно больше количество параллельных мультреальностей, до тех пор, пока не будут найдены те самые образы. Рис 2-11. Ранние концепты к мультфильму “Выставка Чудес” Рис 12. Поиск одного из персонажей мультсериала “Батырлар”   Иногда одного героя собирают по частям из разных концептов разных художников. Бывает и такое. После того, как определились с формой, работа начинается на «атомарном» уровне. Для каждого персонажа создаются модельные листы (или как их называют моледшиты), в которых подробно обрисовывают персонажа с разных ракурсов, контуры тела, его одежду, вещи и выражения лиц. Особое место занимают листы с разными эмоциями перонажа, их изучают и моделеры и аниматоры. Рис. 13. Модельный лист с мультсериала “Батырлар”.   Художники, которые занимаются разработкой персонажей – особая профессия, требующая понимания специфики работы с трехмерными объектами. Не каждый художник сможет «покрутить» персонажа на 360 градусов сохраняя при этом его неизменным, для этого нужна определенная тренировка и любовь к этому делу.   Параллельно с концептами запускается другой процесс – создание сториборда (раскадровки), а позже, на ее основе и аниматика. Сториборд закладывает основу динамики будущего мультфильма. Хорошая раскадровка может раскрыть сюжет без чтения сценария или диалогов. На этом этапе также создаются режиссерские и операторские решения, позволяющие интереснее раскрыть художественный замысел. Рис 14. Раскадровка из мультсериала “Батырлар”.   Когда становится ясно полотно мультфильма, художники еще раз рисуют ключевые сцены, теперь уже с выбранными персонажами, создают им окружение, подбирают цветовую атмосферу.   Цвет вообще играет очень большое значение в анимации и служит одним из основных выразительных средств. Для того, чтобы мультфильм был выдержан едином стиле и последователен, дополнительно рисуется колорскрипт. Рис. 15. Колорскрипт мультсериала “Батырлар”.   Вы знали, при создании современного мультфильма или фильма с использованием 3D (не путать со стерео-форматом), по сути делается 2 мультфильма? Один из них большинство людей никогда не увидит, потому, что это черновик, называемый аниматиком. Аниматик это финальная анимированная раскадровка с записанными диалогами героев, точным таймингом и разбивкой действия на секвенции (сцены) и шоты (планы камеры). Аниматик и финальное 3D совпадают почти полностью. Так же, в аниматике зачастую используются уже в чистовую записанные с актерами диалоги. 3D персонажа нельзя заставить переиграть сцену или сделать несколько дублей. Поэтому, если в диалогах заложены речевые украшательства, то аниматору необходимо повторить губами персонажа слова актера в точно определенное время и с нужной скоростью.   Вот это крутой аниматик. Для фильмов его еще называют превизом.   И вот только теперь, когда близятся к завершению вышеперечисленные этапы, можно выходить на продакшн. О том, что это значит напишу в следующий раз. PS: для того, чтобы написать этот пост, мне пришлось обратиться за комментариями к нашим продюсерам. Услышанного оказалось настолько много, неожиданно и, как мне кажется, полезно, что мы решили сделать отдельный пост и оформить его в виде советов. Надеюсь, что эта идея не ляжет в долгий ящик и воплотиться в ближайшее время. Источник  

Сообщение Хороший пре-продакшн появились сначала на MultTov Новости Анимации.

]]> Фил 3D рассказывает с примерами, что такое хороший пре-продакшн , и почему иногда работу стоит делать два раза. Описано: что  входит в подготовительный период, почему ему стоит уделять много внимания.

Делать мультфильмы нелегко. Поэтому либо вы осознанно проводите большом объем подготовительно работы, либо проводите его потом исправляя ошибки. Для того, чтобы написать этот пост, мне пришлось…

К нам в студию часто попадают проекты от молодых ребят (как правило, энтузиастов и самоучек) с просьбой принять участие, дать фидбек или купить/дать денег на их проект. Практически у всех у них есть одна общая черта – при ознакомлении с таким проектом нам приходится самим додумывать большую или меньшую его часть, полагаясь на свое видение. Специально для новоиспеченных аниматоров и игроделов этот пост.

Итак, у вас есть гениальный сценарий чего бы то ни было, наброски персонажей и видение картинки в целом. Вы считаете, что самая интеллектуальная часть пути пройдена и теперь проект можно запускать в продакшн или попытаться его продать. На самом деле, на этом этапе проект можно запустить только в пре-продакшн. Для того, чтобы вашу идею можно было купить (ну или украсть, как тоже считают некоторые), нужно иметь ее материальное воплощение, максимально приближенное в вашему видению (чтобы не пришлось додумывать за вас). В первую очередь потому, что это заставит любого продюсера или компанию отнестись к вам серьезно. Поэтому, не стоит забегать вперед и недооценивать пре-продакшн, а уж тем более пренебрегать им.

Пре-продакшн включает в себя следующие этапы:

Концепт арты
Разработка персонажей
Разработка окружения
Фоны
Сториборд/раскадровка
Аниматик
Колорскрипт
Разнообразные 3D тесты
Запись голосов

Эта незыблемая основа во всех студиях мира, имеющая особенности и разные степени детализации. Всем понятно, что эти процессы позволяют подробно представить, как будет выглядеть мультфильм. Но мало кто задумывается, что так же эти процессы позволяют точно определить будущий бюджет мультфильма, либо понять, с помощью каких приемов и методов можно в него уложиться (если бюджет уже определен). На этапе продакшена нет места экспериментам, когда материал попадает в «цех», любое изменение будет обходиться в значительный промежуток времени, что неизбежно повлечет за собой нарушение графика работ. Для любой студии это означает потерю денег.

Поэтому, как говорит одна небезызвестная героиня мультфильма, лучше еще раз подумать, перед тем как подумать.

В целом, пре-продакшн позволяет детально проработать историю в 3 направлениях: визуальная составляющая, художественный замысел и техническая специфика.

Работа команды, как правило, начинается с работы с референсами. Собираются целые доски, которые могут включать в себя как целые изображения, так и какието части.

Фото с сайта yvision.kz

Рис. 1. Референсая доска команды мультфильма «Жизнь прекрасна»

 

Параллельно идет разработка персонажей и отрисовка ключевых сцен будущего мультфильма. Обычно художники начинают рисовать концепт-арты, которые иллюстрируют ключевые сцены мультфильма или просто ищут вдохновения, отталкиваясь от образов, посетивших их во время чтения сценария или общения с режиссером. Пока идет происходит художественный поиск, на свет рождается довольно больше количество параллельных мультреальностей, до тех пор, пока не будут найдены те самые образы.

Фото с сайта yvision.kz

Фото с сайта yvision.kz

Фото с сайта yvision.kz

Фото с сайта yvision.kz

Фото с сайта yvision.kz

Фото с сайта yvision.kz

Фото с сайта yvision.kz

Фото с сайта yvision.kz

Фото с сайта yvision.kz

Рис 2-11. Ранние концепты к мультфильму “Выставка Чудес”

Фото с сайта yvision.kz

Рис 12. Поиск одного из персонажей мультсериала “Батырлар”

 

Иногда одного героя собирают по частям из разных концептов разных художников. Бывает и такое. После того, как определились с формой, работа начинается на «атомарном» уровне. Для каждого персонажа создаются модельные листы (или как их называют моледшиты), в которых подробно обрисовывают персонажа с разных ракурсов, контуры тела, его одежду, вещи и выражения лиц. Особое место занимают листы с разными эмоциями перонажа, их изучают и моделеры и аниматоры.

Фото с сайта yvision.kz

Рис. 13. Модельный лист с мультсериала “Батырлар”.

 

Художники, которые занимаются разработкой персонажей – особая профессия, требующая понимания специфики работы с трехмерными объектами. Не каждый художник сможет «покрутить» персонажа на 360 градусов сохраняя при этом его неизменным, для этого нужна определенная тренировка и любовь к этому делу.

 

Параллельно с концептами запускается другой процесс – создание сториборда (раскадровки), а позже, на ее основе и аниматика. Сториборд закладывает основу динамики будущего мультфильма. Хорошая раскадровка может раскрыть сюжет без чтения сценария или диалогов. На этом этапе также создаются режиссерские и операторские решения, позволяющие интереснее раскрыть художественный замысел.

Фото с сайта yvision.kz

Рис 14. Раскадровка из мультсериала “Батырлар”.

 

Когда становится ясно полотно мультфильма, художники еще раз рисуют ключевые сцены, теперь уже с выбранными персонажами, создают им окружение, подбирают цветовую атмосферу.

 

Цвет вообще играет очень большое значение в анимации и служит одним из основных выразительных средств. Для того, чтобы мультфильм был выдержан едином стиле и последователен, дополнительно рисуется колорскрипт.

Фото с сайта yvision.kz

Рис. 15. Колорскрипт мультсериала “Батырлар”.

 

Вы знали, при создании современного мультфильма или фильма с использованием 3D (не путать со стерео-форматом), по сути делается 2 мультфильма? Один из них большинство людей никогда не увидит, потому, что это черновик, называемый аниматиком. Аниматик это финальная анимированная раскадровка с записанными диалогами героев, точным таймингом и разбивкой действия на секвенции (сцены) и шоты (планы камеры). Аниматик и финальное 3D совпадают почти полностью. Так же, в аниматике зачастую используются уже в чистовую записанные с актерами диалоги. 3D персонажа нельзя заставить переиграть сцену или сделать несколько дублей. Поэтому, если в диалогах заложены речевые украшательства, то аниматору необходимо повторить губами персонажа слова актера в точно определенное время и с нужной скоростью.

 

Вот это крутой аниматик. Для фильмов его еще называют превизом.

 

И вот только теперь, когда близятся к завершению вышеперечисленные этапы, можно выходить на продакшн. О том, что это значит напишу в следующий раз.

PS: для того, чтобы написать этот пост, мне пришлось обратиться за комментариями к нашим продюсерам. Услышанного оказалось настолько много, неожиданно и, как мне кажется, полезно, что мы решили сделать отдельный пост и оформить его в виде советов. Надеюсь, что эта идея не ляжет в долгий ящик и воплотиться в ближайшее время.

Источник

 

Сообщение Хороший пре-продакшн появились сначала на MultTov Новости Анимации.

]]> https://multtov.net.ua/article/horoshij-pre-prodakshn.html/feed 0 Человек паук и работа над анимацией https://multtov.net.ua/article/chelovek-pauk.html https://multtov.net.ua/article/chelovek-pauk.html#comments Sat, 26 Jan 2019 13:52:31 +0000 https://multtov.net.ua/?p=3707 В статье предыстория создания анимации “Человек Паук: сквозь вселенные” иллюстрация каким мог быть Майкл Мораллес, Бродяга, Гвен Стейси и другие персонажи мультфильма. Работа над дизайном и локациями. Пересечение стилей анимации и как 3D примеряла на себя эффекты присущие 2D. Редакция Disgusting Men подобрала хороший материал, который приподнимает занавес над созданием победителя “Золотого глобуса” 2019 и номинанта на Оскар 2019 в нескольких категориях. Алексей Евглевский  сохранил последовательность, читайте о процессе. В ночь на 7 января объявили победителей «Золотого глобуса» 2019 года. В категории «лучший анимационный фильм» статуэтку совершенно заслуженно взял «Человек-паук: Через вселенные». Это отличный повод рассказать больше о мультфильме, о процессе создания и о том, какие эффекты использовали авторы, чтобы вызвать новые эмоции у зрителей. Отвратительные мужики собрали концепт-арты, комментарии режиссеров и секреты художников, а также добавили немного от себя, чтобы разобраться — что же сделало этот мультфильм таким выдающимся. ОСТОРОЖНО — дальше будут спойлеры!   Сперва несколько цифр для тех, кто сомневается в крутости анимационного фильма «Человек-паук: Через вселенные». Только на создание концепции мультфильма ушел год. На анимацию одной секунды в среднем требовалась примерно неделя. Всего в фильме около 2 800 кадров. В один момент над ним работало одновременно 172 аниматора. А теперь подробнее. Дизайн человек-паук через вселенные кино отвратительные мужики disgusting men Проще всего начать с очевидного и бросающегося в глаза. Многие заметили, что движения персонажей порой выглядят отрывисто. Кому-то это не понравилось, кто-то же, наоборот, счел такой ход удачным. Как бы вы к нему ни относились, но решение это намеренное. Создатели приняли его, чтобы нагляднее показать становление героя. Все дело в разнице анимации. Обычно в одной секунде присутствует 24 кадра, где каждому кадру соответствует уникальная позиция перемещаемого объекта. Такую анимацию называют «on one’s». Второй распространенный тип анимации — «on two’s», когда одной позиции объекта соответствует два кадра, поэтому перемещение кажется прерывистым. человек-паук через вселенные кино отвратительные мужики disgusting men Авторы меняли тип анимации в зависимости от ситуации. В те моменты, когда Майлз Моралес чувствовал себя слабым и беспомощным, как в сцене в лесу, количество кадров уменьшалось, и его движения казались более неуклюжими. В конце же, когда он полностью овладел своими способностями, он перемещался плавно и быстро. Второе, что может быть не так заметно, но не менее круто — это работа с перспективой. Игра с перспективой зачастую отлично подходит для экшн-сцен. Как, например, тут, в первой части «Суперсемейки». человек-паук через вселенные кино отвратительные мужики disgusting men То, что сделали три режиссера — Боб Персичетти, Питер Рэмзи и Родни Ротман — выше всяких похвал. Достаточно мельком взглянуть на ту же сцену в лесу. Когда Питер Б. Паркер учит Майлза раскачиваться на паутине, оба героя, держа в руках системный блок, летят вперед. Это движение быстрое и энергичное, но в то же время между Пауками идет неторопливый разговор, который не подходит ситуации. Поэтому спереди и сзади их окружают желто-оранжевая листва, которая почти сливается в единый фон, скрывая перспективу. Когда же объявляется Гвен Стейси камера смотрит сверху или снизу, позволяя вернувшимся в кадр стволам деревьев резче обозначить перспективу, отчего сразу усиливается динамичность. И таких примеров множество. человек-паук через вселенные кино отвратительные мужики disgusting men На этом роль перспективы не заканчивается. С самого начала режиссеры пошли на рискованный шаг и отказались от технологии motion blur. Они хотели создать красивую, нарядную картинку, и их не радовала мысль, что в процессе ее придется замазать. Аниматоры, естественно, зароптали и попытались их отговорить, но ничего не получилось. Динамику скоростных прыжков и битв все равно надо было как-то передавать. Они придумали хитрое решение — изобразили движение буквально, так, как это делают в комиксах, с помощью направляющих линий, которые иногда выходят прямо из персонажа. Эти линии подчеркивают перспективу и создают энергичность без замыливания всего кадра. человек-паук через вселенные кино отвратительные мужики disgusting men Маленькая, но очень интересная деталь: в сцене, где герои прячутся от соседа Майлза, они образуют по форме паука, который передвигается по потолку так же, как настоящий паук. Такая идея появилась после того, как художник решил соединить всех персонажей вместе, а не распределять по потолку, как задумывалось изначально. Originally in these shots, the Spiders were visualized as being spread out on the wall, but my Supervisor wanted to see them closer together. As I moved them closer while keeping their ability to move their limbs, it gradually evolved into this spider-like shape. ????️#SpiderVerse pic.twitter.com/uDnALpzvDF — Nick Kondo 近藤 (@NickTyson) 14 января 2019 г. Последнее в дизайне и, вероятно, самое крутое — работа с анимацией персонажей. О том, что почти каждый из людей-пауков анимирован в собственном стиле, и говорить не стоит, а вот то, что cg-анимация выглядит и ощущается как нарисованная — на этом лучше остановиться чуть-чуть поподробнее. человек-паук через вселенные кино отвратительные мужики disgusting men Главная особенность мультфильма в том, что он похож на комикс. Такую стилизацию намного легче привить рисункам, а не 3D-моделям. Тем не менее, создатели обошли это ограничение. По словам Боба Персичетти, они сделали модели гибкими и растягивали их в определенных ситуациях. Когда того требовала сцена, конечность героя удлинялась в три раза на два или три кадра, из-за чего где-то в подсознании возникало ощущение, что движение нарисовано, а не смоделировано. Локации и персонажи человек-паук через вселенные кино отвратительные мужики disgusting men Постановщик Джастин Томпсон в интервью изданию Cartoon Brew рассказал о детали, которую я сначала не заметил, но которая становится очевидной, едва к ней присмотришься. В начале фильма Майлз — обычный подросток. Он слушает музыку, собирает рюкзак в школу и едет с отцом в машине — все эти сцены отличаются цветовой палитрой от последующего супергеройского разноса. В них более блеклые пастельные тона, в отличие от ярких цветов коллайдера и других вселенных. Сделано это для большего контраста между обыденной жизнью и непрекращающимися приключениями супергероев. Легче всего его заметить во время первой встречи Майлза с идеальным Пауком. Вот, что Томпсон говорит об этой сцене: Зеленый Гоблин и магические порталы в другие измерения кажутся чем-то большим, чем сама жизнь. Мы сделали масштаб этих вещей огромным, чтобы показать, как они будут выглядеть в глазах подростка, который ими поражен. Вы как будто наблюдаете за происходящим от его лица, отчасти поэтому путешествие и выглядит таким правдоподобным и веселым. Сам коллайдер, кстати, и лаборатория первоначально выглядели совсем иначе. В последней планировалось […]

Сообщение Человек паук и работа над анимацией появились сначала на MultTov Новости Анимации.

]]> В статье предыстория создания анимации “Человек Паук: сквозь вселенные” иллюстрация каким мог быть Майкл Мораллес, Бродяга, Гвен Стейси и другие персонажи мультфильма. Работа над дизайном и локациями. Пересечение стилей анимации и как 3D примеряла на себя эффекты присущие 2D.

Редакция Disgusting Men подобрала хороший материал, который приподнимает занавес над созданием победителя “Золотого глобуса” 2019 и номинанта на Оскар 2019 в нескольких категориях. Алексей Евглевский  сохранил последовательность, читайте о процессе.

В ночь на 7 января объявили победителей «Золотого глобуса» 2019 года. В категории «лучший анимационный фильм» статуэтку совершенно заслуженно взял «Человек-паук: Через вселенные». Это отличный повод рассказать больше о мультфильме, о процессе создания и о том, какие эффекты использовали авторы, чтобы вызвать новые эмоции у зрителей.

Отвратительные мужики собрали концепт-арты, комментарии режиссеров и секреты художников, а также добавили немного от себя, чтобы разобраться — что же сделало этот мультфильм таким выдающимся.

ОСТОРОЖНО — дальше будут спойлеры!

 

Сперва несколько цифр для тех, кто сомневается в крутости анимационного фильма «Человек-паук: Через вселенные». Только на создание концепции мультфильма ушел год. На анимацию одной секунды в среднем требовалась примерно неделя. Всего в фильме около 2 800 кадров. В один момент над ним работало одновременно 172 аниматора. А теперь подробнее.

Дизайн

Miles Morales (Shameik Moore) Columbia Pictures and Sony Pictures Animation’s SPIDER-MAN: INTO THE SPIDER-VERSE.

человек-паук через вселенные кино отвратительные мужики disgusting men
Проще всего начать с очевидного и бросающегося в глаза. Многие заметили, что движения персонажей порой выглядят отрывисто. Кому-то это не понравилось, кто-то же, наоборот, счел такой ход удачным. Как бы вы к нему ни относились, но решение это намеренное. Создатели приняли его, чтобы нагляднее показать становление героя.

Все дело в разнице анимации. Обычно в одной секунде присутствует 24 кадра, где каждому кадру соответствует уникальная позиция перемещаемого объекта. Такую анимацию называют «on one’s». Второй распространенный тип анимации — «on two’s», когда одной позиции объекта соответствует два кадра, поэтому перемещение кажется прерывистым.

человек-паук через вселенные кино отвратительные мужики disgusting men

Авторы меняли тип анимации в зависимости от ситуации. В те моменты, когда Майлз Моралес чувствовал себя слабым и беспомощным, как в сцене в лесу, количество кадров уменьшалось, и его движения казались более неуклюжими. В конце же, когда он полностью овладел своими способностями, он перемещался плавно и быстро.

Второе, что может быть не так заметно, но не менее круто — это работа с перспективой. Игра с перспективой зачастую отлично подходит для экшн-сцен. Как, например, тут, в первой части «Суперсемейки».

человек-паук через вселенные кино отвратительные мужики disgusting men

То, что сделали три режиссера — Боб Персичетти, Питер Рэмзи и Родни Ротман — выше всяких похвал. Достаточно мельком взглянуть на ту же сцену в лесу. Когда Питер Б. Паркер учит Майлза раскачиваться на паутине, оба героя, держа в руках системный блок, летят вперед. Это движение быстрое и энергичное, но в то же время между Пауками идет неторопливый разговор, который не подходит ситуации. Поэтому спереди и сзади их окружают желто-оранжевая листва, которая почти сливается в единый фон, скрывая перспективу.

Когда же объявляется Гвен Стейси камера смотрит сверху или снизу, позволяя вернувшимся в кадр стволам деревьев резче обозначить перспективу, отчего сразу усиливается динамичность. И таких примеров множество.

человек-паук через вселенные кино отвратительные мужики disgusting men

На этом роль перспективы не заканчивается. С самого начала режиссеры пошли на рискованный шаг и отказались от технологии motion blur. Они хотели создать красивую, нарядную картинку, и их не радовала мысль, что в процессе ее придется замазать. Аниматоры, естественно, зароптали и попытались их отговорить, но ничего не получилось. Динамику скоростных прыжков и битв все равно надо было как-то передавать. Они придумали хитрое решение — изобразили движение буквально, так, как это делают в комиксах, с помощью направляющих линий, которые иногда выходят прямо из персонажа. Эти линии подчеркивают перспективу и создают энергичность без замыливания всего кадра.

человек-паук через вселенные кино отвратительные мужики disgusting men

Маленькая, но очень интересная деталь: в сцене, где герои прячутся от соседа Майлза, они образуют по форме паука, который передвигается по потолку так же, как настоящий паук. Такая идея появилась после того, как художник решил соединить всех персонажей вместе, а не распределять по потолку, как задумывалось изначально.

Originally in these shots, the Spiders were visualized as being spread out on the wall, but my Supervisor wanted to see them closer together. As I moved them closer while keeping their ability to move their limbs, it gradually evolved into this spider-like shape. ????️#SpiderVerse pic.twitter.com/uDnALpzvDF

— Nick Kondo 近藤 (@NickTyson) 14 января 2019 г.

Последнее в дизайне и, вероятно, самое крутое — работа с анимацией персонажей. О том, что почти каждый из людей-пауков анимирован в собственном стиле, и говорить не стоит, а вот то, что cg-анимация выглядит и ощущается как нарисованная — на этом лучше остановиться чуть-чуть поподробнее.

человек-паук через вселенные кино отвратительные мужики disgusting men

Главная особенность мультфильма в том, что он похож на комикс. Такую стилизацию намного легче привить рисункам, а не 3D-моделям. Тем не менее, создатели обошли это ограничение. По словам Боба Персичетти, они сделали модели гибкими и растягивали их в определенных ситуациях. Когда того требовала сцена, конечность героя удлинялась в три раза на два или три кадра, из-за чего где-то в подсознании возникало ощущение, что движение нарисовано, а не смоделировано.

Локации и персонажи

человек-паук через вселенные кино отвратительные мужики disgusting men

Постановщик Джастин Томпсон в интервью изданию Cartoon Brew рассказал о детали, которую я сначала не заметил, но которая становится очевидной, едва к ней присмотришься. В начале фильма Майлз — обычный подросток. Он слушает музыку, собирает рюкзак в школу и едет с отцом в машине — все эти сцены отличаются цветовой палитрой от последующего супергеройского разноса. В них более блеклые пастельные тона, в отличие от ярких цветов коллайдера и других вселенных. Сделано это для большего контраста между обыденной жизнью и непрекращающимися приключениями супергероев. Легче всего его заметить во время первой встречи Майлза с идеальным Пауком. Вот, что Томпсон говорит об этой сцене:

Зеленый Гоблин и магические порталы в другие измерения кажутся чем-то большим, чем сама жизнь. Мы сделали масштаб этих вещей огромным, чтобы показать, как они будут выглядеть в глазах подростка, который ими поражен. Вы как будто наблюдаете за происходящим от его лица, отчасти поэтому путешествие и выглядит таким правдоподобным и веселым.

Сам коллайдер, кстати, и лаборатория первоначально выглядели совсем иначе. В последней планировалось создать больше сцен, чем получилось в итоге:

человек-паук через вселенные кино отвратительные мужики disgusting men

Alchemax Labs. #intothespiderverse #spiderverse #milesmorales #droctavius Originally this area was going to be used for much more than what made the final cut. But I still had a ton of fun painting these. #goldenglobes pic.twitter.com/dThraLCIsa

— Patrick O’Keefe (@okeefe_artist) 6 января 2019 г.

Как и в подвале Питера Паркера:

 

Не знаю, специально так сделали или нет, но квартира дяди Аарона даже на концептах тонет в искусственном холодном свете, который отдаленно напоминает свет гаджетов Бродяги. Как будто авторы дают подсказу с самого начала.

В первый приход Майлза к дяде у того включен телевизор. Сперва авторы думали показать связь родственников через игру в файтинг про Человека-Паука и даже нарисовали для него маленькую анимацию. Кто бы играл за Рино, думаю, очевидно.

In an earlier version of the film Miles and Aaron were playing this fighting game in his apartment. #SpidermanIntoSpiderVerse #16bit pic.twitter.com/xktZ2vJa3U

— Yuhki Demers (@yuhkidemers) 9 января 2019 г.

Самого Бродягу оставили классическим, изменили только цвет и черты одеяния — они стали грубее. По заверениям Томпсона, для того чтобы сделать его похожим на механическое существо, не знающее жалости, и добавить каждому его появлению ощущение опасности.

человек-паук через вселенные кино отвратительные мужики disgusting men

Постановщик и дизайнер сказал, что больше всего гордится новым видом Доктора Осьминога. В первом варианте им был мужчина, но Томпсон знал, что на его месте должна быть женщина. Самое удачное в ней, по его мнению, это щупальца, которые в отличие от всех остальных адаптаций, не металлические, а мягкие, что позволяет им быть более гибкими и скручивать врагов, словно удавы.

Зеленого Гоблина так и вовсе думали сделать натуральным гоблином.

Гвен Стейси вообще в некоторых вариантах выглядела бездомной, а Пени — как настоящая панкуха.

Остальные персонажи тоже порой имели недетский вид.

Больше всего сомнений, судя по всему, было относительно робота. Его вариаций действительно множество!

Самым крутым и в то же время абсолютно незаметным персонажем второго план стал город. На протяжении двух часов Нью-Йорк постоянно мелькает в кадре, но увлеченный историей зритель почти не замечает его отменной актерской игры. Мегаполис превратился в идеальную иллюстрацию поговорки «Если хочешь спрятать дерево — спрячь его в лесу».

Дело в том, что перед началом работы режиссеры попросили своих знакомых, музыкантов, писателей и коллег по цеху придумать произведения, которые они могли бы сочинить в альтернативной вселенной, а затем взяли лучшие из них и засунули в фильм в виде плакатов к этим книгам, фильмам или музыкальным альбомам. Самым известным стала лента Сета Рогена «Hold Your Horses» (Придержи лошадей), но хватает и других интересных отсылок.

История


человек-паук через вселенные кино отвратительные мужики disgusting men

Изначально сюжет «Человека-паука» был гораздо масштабнее. Это подтверждают и художники, и нарисованные ими арты. Многие вещи изменили или полностью вырезали, чтобы у зрителей возникало меньше вопросов, а картина выглядела абсолютно самодостаточной. Но следить за процессом шлифовки все равно интересно.

Продюсеры, писавшие сценарий, подтвердили, что черпали вдохновение из фильма «Малыш-каратист». Они хотели, чтобы Питер Б. Паркер стал для Майлза мистером Мияги, но не спокойным и мудрым, а непутевым и взбалмошным. Позже к этой роли подключилась и Гвен.

 

Посмотреть эту публикацию в Instagram

 

a quick one on the shoulder touch ???? that was so fun!. . #spiderverse #spidermanintothespiderverse #sonypicturesanimation #storyboardartist #shouldertouch #whysosweaty #milesmorales #spidergwen

Публикация от Eva B (@motoskifo)

Самого Майлза тоже планировали проработать глубже. Гораздо большая роль уделялась его связи с соседом по комнате, который, по-видимому, должен был стать местным Недом (как в последнем перезапуске). Он был в курсе способностей Майлза и разделял с ним его первые супергеройские открытия. Очевидно, что это увеличило бы экранное время и оттенило отношения главного героя с семьей и остальными Пауками, поэтому от идеи отказались.

Изменили и битву с Зеленым Гоблином. Акцент в ней был смещен в сторону сражения, что вытесняло Майлза из вида и не давало взглянуть на ситуацию с его точки зрения. Поэтому в мультфильме взрывы и удары все время видны где-то на периферии, из-за чего возникает необходимый эффект свидетеля.

Другой интересный момент связан с побегом из лаборатории. В первом варианте учитель и ученик вместе сражались с Доктором Осьминогом, а Майлз даже жахнул ее электричеством, но этот маленький эпизод, если присмотреться, рушит всю драматургию на корню. Во-первых, появление Гвен Стейси в таком случае выглядело бы менее эффектно. Во-вторых, она бы увидела уникальные способности Майлза и эпизод в подвале идеального Паука, когда мальчик чувствует себя одиноким, уже не был бы таким трагичным.

С другой стороны, судя по раскадровке, в одном из первых набросков Майлз должен был получить черный костюм раньше положенного, что лишало бы его отчуждение от Пауков смысла. Меж тем сцена его становления — одна из моих самых любимых. В ней сходятся две половинки его новой жизни, две семьи. Вначале у него была только одна — родные мама и папа, но с паучьими способностями он обрел вторую в лице людей-пауков. В какой-то момент только они и понимали его, с ними он разделял опасности, игнорируя отца, который за него беспокоился. Однако в критический момент они отстранились, посчитав его слабым и неготовым, а отец, пришедший сообщить о смерти дяди, наоборот, поверил в него. Он же, сам того не подозревая, стал причиной перевоплощения сына в Человека-паука и поспособствовал его воссоединению со второй семей.

 

Вишенка на торте — изящное самоцитирование, которое без прямых повторов умудряется красиво показать цикличность, да еще и с юмором.

Фан-арт

Этот материал не был бы полным без фантастических работ фанатов. Некоторые из них не уступают официальным артам, а иные даже превосходят. Смотреть на них одно удовольствие, но сейчас их так много, что хватило бы на еще один мультфильм, поэтому мы просто выбрали те, которые показались нам самыми выдающимися.

Источник disgusting men

Автор Алексей Евглевский

Сообщение Человек паук и работа над анимацией появились сначала на MultTov Новости Анимации.

]]> https://multtov.net.ua/article/chelovek-pauk.html/feed 1 Сказочная анимация студии Парадиз https://multtov.net.ua/article/skazochnaya-animatsiya.html https://multtov.net.ua/article/skazochnaya-animatsiya.html#respond Sat, 19 Oct 2013 15:41:01 +0000 https://multtov.net.ua/?p=3628 В статье рассмотрен процесс создания  анимации на основе мультфильма «Аленушка и Ерема». Съемочная группа рассмотрит сложности в работе которые присущи анимации. Про свои этапы расскажет: режиссер, аниматор, оператор-постановщик, а также хореограф и супервайзеры с художниками. Все это и видео в статье. Юрий Давыдов: оператор-постановщик Есть такой термин, в основном это у аниматоров. «Рождение из огурцов персонажа». Сначала рисуются такие огурчики – как люди, объекты, квадратики. То есть, рождаются конкретные, интересные персонажи со своими характерами. Со своими сложностями, со своей комичностью и так далее. Создается раскадровка на уровне первых набросков, эскизов. Потом эти эскизы обрастают деталями, а потом они переходят в 3D модели. Уже в объемные, и уже с объемом начинается непосредственное движение. Движение в кадре. Фото photo.qip.ru Георгий Гитис: режиссер 3D технология появилась не так давно. И она отличается, и в тоже время собирает в себе все элементы из рисованной анимации, из кукольной, и даже из игрового кино. Мы хотим попытаться привнести в 3D анимацию пластичность рисованной анимации. И в общем-то чего, мне кажется, до нас никто не делал. Юрий Давыдов: оператор-постановщик И конечно больше свободы, и по движению камеры, и по построению композиции. В целом – это очень интересная работа, для оператора в первую очередь. Внизу статьи видео всей статьи, если  визуал проще усвоить Константин Ковалев: хореограф Предложение сделать хореографию для мультфильма, явилось некой неожиданностью для меня. Вроде бы вначале показалось, что работа будет достаточно легкой. Но в последствии, когда уже приступили непосредственно к созданию образов танцевальных. Стоскнулись с проблемой, потому что нужно было вживаться в различные образы. Александр Петров: супервайзер мультфильма Имея определенный набор движений танцора, достаточно просто быстро создавать анимацию. Но с другой стороны, сложность в том, чтобы из этого набора сделать настоящий танец, который будет смотреться не просто в живую. Но и на экране правильно. Игорь Кудрявцев: супервайзер Анимация в танце, анимация мимики под песню, она намного сложнее чем просто анимация. Константин Ковалев: хореограф Танцоры были несколько удивлены таким заданием. Конечно, я их иногда оглушаю такими танцами. Сложными работами, на некоторые роли танцевальные, мы пробовали различного плана людей. И пока все вырисовалось, пока образ подошел к одному человеку. Но опробовались многие. Не так просто, еще раз повторюсь, это было сделать. Были фразы «я вообще не хочу танцевать лошадь!». И естественно, каждая девушка мечтала стать Аленушкой. Фото: andrey-g.livejournal.com Георгий Гитис: режиссер Безусловно, когда актеры вживаются в роль, они начинают совершать даже все физические действия за своих персонажей. И это в общем, достаточно интересно выглядит. Когда за стеклом стоит актер, и машет руками, скалится, жмурится, изображает как на него упал камень, как он там поскользнулся на чем-то. Как он взял пушку и сейчас всех убьет. И в анимации, мы собираемся использовать движения актеров. Показывать аниматорам, как актер видел себе свою роль. Работая над ней, при голосовом озвучивании. Ольга Шмыкова: супервайзер Двух мерный мир это одно, а созданный в 3D по подобию реальности — это немножко другое. Павел Настанюк: аниматор Сначала пишется сценарий. После сценария он поступает к художникам, к режиссеру. Они вместе начинают разрабатывать ближе уже к фильму раскадровку. Соответственно писать музыку, озвучку делать. Потому что именно после озвучки, поступает именно в работу к аниматорам, и к остальным людям. Параллельно, разработки персонажей. Фото: andrey-g.livejournal.com Владимир Гагурин: художник раскадровки Первая проблема, с которой пришлось столкнуться – это то, что персонажи не совсем живые. И пошли по пути того, что текстуры начали рисовать на бумаге. Нормальными красками в компьютере – это почему-то не получалось. Пробовали делать масляными красками текстуры. И вот, частично, как-то фильм стал теплее. Это, я надеюсь, будет наше ноу-хау. Ирина Сурова: художник Для того, чтобы создать эти машины, мы сначала просматривали реальные прототипы техники 18-19 века. Начинали с велосипедов, педальная техника, которая приводится в движение мускульной силой человека. Потом, рассматривали машины которые приводятся в движение за счет силы пара. Паровые машины – это паровозы, самоходные машины. Большую часть технических каких-то моментов и внешнего вида взяли из самолетостроения. Самолетов, паропланов и других моделей. Все это соединили, и получилось такой сплав старинной техники и современной. Арсений Тургулайнен: аниматор Анимация — это очень тонкий и кропотливый процесс, занимающий очень много времени. Примерно один аниматор в неделю должен делать десять секунд анимации. Когда персонаж готов, в него внедряют скелет. Затем на персонажа навешиваются различные управляющие моменты, для того чтобы аниматор смог двигать этого персонажа. Когда персонаж полностью готов, и его отдают аниматорам, и аниматор приступает к процессу создания анимации. Валерий Зражевски: художник У героя самое сложное – это лицо. Эту голову для модельщиков мы лепим, потом фотографируем и отправляют на модель. Фото: skclip.com Павел Настанюк: аниматор Если аниматика – это трехмерная модель, как бы из этих моделей собираются, выставляются камеры, метраж. То есть время высчитывается. Сколько на все сцены. Делается полный ролик, весь фильм, но в черновом таком. С 3D моделями, но уже с камерами готовыми, который уже готов к просмотру. После чернового фильма, когда уже все хорошо. Звук подходит, музыка подходит, время подходит. Дальше идет на рендер уже. Рендер – это уже как раз делается цветная картинка, хорошая. После рендера, когда весь рендер уже готов, отсчитан и выставляется там же свет и все остальное. Это уже более чистая работа. Поступает уже в компостинг, там дочищаются совсем уже мелкие всякие детали. Все это опять идет на монтаж. На монтаже уже все шлифуется до конца, подставляется уже финальный звук. И после этого уже, фильм идет в прокат.

Сообщение Сказочная анимация студии Парадиз появились сначала на MultTov Новости Анимации.

]]> В статье рассмотрен процесс создания  анимации на основе мультфильма «Аленушка и Ерема». Съемочная группа рассмотрит сложности в работе которые присущи анимации. Про свои этапы расскажет: режиссер, аниматор, оператор-постановщик, а также хореограф и супервайзеры с художниками. Все это и видео в статье.

Юрий Давыдов: оператор-постановщик

Есть такой термин, в основном это у аниматоров. «Рождение из огурцов персонажа». Сначала рисуются такие огурчики – как люди, объекты, квадратики. То есть, рождаются конкретные, интересные персонажи со своими характерами. Со своими сложностями, со своей комичностью и так далее. Создается раскадровка на уровне первых набросков, эскизов. Потом эти эскизы обрастают деталями, а потом они переходят в 3D модели. Уже в объемные, и уже с объемом начинается непосредственное движение. Движение в кадре.

Фото photo.qip.ru

Георгий Гитис: режиссер

3D технология появилась не так давно. И она отличается, и в тоже время собирает в себе все элементы из рисованной анимации, из кукольной, и даже из игрового кино. Мы хотим попытаться привнести в 3D анимацию пластичность рисованной анимации. И в общем-то чего, мне кажется, до нас никто не делал.

Юрий Давыдов: оператор-постановщик

И конечно больше свободы, и по движению камеры, и по построению композиции. В целом – это очень интересная работа, для оператора в первую очередь.

Внизу статьи видео всей статьи, если  визуал проще усвоить

Константин Ковалев: хореограф

Предложение сделать хореографию для мультфильма, явилось некой неожиданностью для меня. Вроде бы вначале показалось, что работа будет достаточно легкой. Но в последствии, когда уже приступили непосредственно к созданию образов танцевальных. Стоскнулись с проблемой, потому что нужно было вживаться в различные образы.

Александр Петров: супервайзер мультфильма

Имея определенный набор движений танцора, достаточно просто быстро создавать анимацию. Но с другой стороны, сложность в том, чтобы из этого набора сделать настоящий танец, который будет смотреться не просто в живую. Но и на экране правильно.

Игорь Кудрявцев: супервайзер

Анимация в танце, анимация мимики под песню, она намного сложнее чем просто анимация.

Константин Ковалев: хореограф

Танцоры были несколько удивлены таким заданием. Конечно, я их иногда оглушаю такими танцами. Сложными работами, на некоторые роли танцевальные, мы пробовали различного плана людей. И пока все вырисовалось, пока образ подошел к одному человеку. Но опробовались многие. Не так просто, еще раз повторюсь, это было сделать. Были фразы «я вообще не хочу танцевать лошадь!». И естественно, каждая девушка мечтала стать Аленушкой.

Фото: andrey-g.livejournal.com

Георгий Гитис: режиссер

Безусловно, когда актеры вживаются в роль, они начинают совершать даже все физические действия за своих персонажей. И это в общем, достаточно интересно выглядит. Когда за стеклом стоит актер, и машет руками, скалится, жмурится, изображает как на него упал камень, как он там поскользнулся на чем-то. Как он взял пушку и сейчас всех убьет. И в анимации, мы собираемся использовать движения актеров. Показывать аниматорам, как актер видел себе свою роль. Работая над ней, при голосовом озвучивании.

Ольга Шмыкова: супервайзер

Двух мерный мир это одно, а созданный в 3D по подобию реальности — это немножко другое.

Павел Настанюк: аниматор

Сначала пишется сценарий. После сценария он поступает к художникам, к режиссеру. Они вместе начинают разрабатывать ближе уже к фильму раскадровку. Соответственно писать музыку, озвучку делать. Потому что именно после озвучки, поступает именно в работу к аниматорам, и к остальным людям. Параллельно, разработки персонажей.

Фото: andrey-g.livejournal.com

Владимир Гагурин: художник раскадровки

Первая проблема, с которой пришлось столкнуться – это то, что персонажи не совсем живые. И пошли по пути того, что текстуры начали рисовать на бумаге. Нормальными красками в компьютере – это почему-то не получалось. Пробовали делать масляными красками текстуры. И вот, частично, как-то фильм стал теплее. Это, я надеюсь, будет наше ноу-хау.

Ирина Сурова: художник

Для того, чтобы создать эти машины, мы сначала просматривали реальные прототипы техники 18-19 века. Начинали с велосипедов, педальная техника, которая приводится в движение мускульной силой человека. Потом, рассматривали машины которые приводятся в движение за счет силы пара. Паровые машины – это паровозы, самоходные машины. Большую часть технических каких-то моментов и внешнего вида взяли из самолетостроения. Самолетов, паропланов и других моделей. Все это соединили, и получилось такой сплав старинной техники и современной.

Арсений Тургулайнен: аниматор

Анимация — это очень тонкий и кропотливый процесс, занимающий очень много времени. Примерно один аниматор в неделю должен делать десять секунд анимации. Когда персонаж готов, в него внедряют скелет. Затем на персонажа навешиваются различные управляющие моменты, для того чтобы аниматор смог двигать этого персонажа. Когда персонаж полностью готов, и его отдают аниматорам, и аниматор приступает к процессу создания анимации.

Валерий Зражевски: художник

У героя самое сложное – это лицо. Эту голову для модельщиков мы лепим, потом фотографируем и отправляют на модель.

Фото: skclip.com

Павел Настанюк: аниматор

Если аниматика – это трехмерная модель, как бы из этих моделей собираются, выставляются камеры, метраж. То есть время высчитывается. Сколько на все сцены. Делается полный ролик, весь фильм, но в черновом таком. С 3D моделями, но уже с камерами готовыми, который уже готов к просмотру.

После чернового фильма, когда уже все хорошо. Звук подходит, музыка подходит, время подходит. Дальше идет на рендер уже. Рендер – это уже как раз делается цветная картинка, хорошая. После рендера, когда весь рендер уже готов, отсчитан и выставляется там же свет и все остальное. Это уже более чистая работа. Поступает уже в компостинг, там дочищаются совсем уже мелкие всякие детали. Все это опять идет на монтаж. На монтаже уже все шлифуется до конца, подставляется уже финальный звук. И после этого уже, фильм идет в прокат.

Сообщение Сказочная анимация студии Парадиз появились сначала на MultTov Новости Анимации.

]]> https://multtov.net.ua/article/skazochnaya-animatsiya.html/feed 0