Родился Прийт Пярн в Таллине 26 августа 1946 года где и вырос. После окончания школы поступил на

Фото с сайта kino-teatr.ru

факультет биологии в университете города Тарту и впоследствии работал шесть лет в Ботаническом саду Таллина (с 1970-го по 1976-й года). Впоследствии ушел на киностудию Таллинфильм, а с 1994 на студии Eesti Joonisfilm. Преподавал в Академии искуств города Турку в Финляндии с начала девяностых (предположительно с 1993 года). В 2006 году было создано отделение анимации при Эстонской академии художеств, специально для него. Эстонская программа получила название «Возвращение Пярна».

Ниже некоторые мультфильмы работ Прийта Пярна из советского периода эстонской анимации. Ранние работы, которые много говорят о его творчестве, а в самом низу небольшой видео обзор.

Мультфильмы Прийта Пярна

«Круглый ли земной шар» (1977 год)

«Зелёный медвежонок» (1978 год)

Получил специальную премию МКФ в Варне.

«Некоторые упражнения для самостоятельной жизни» (1980г)

«Треугольник» (1982)

«Небылицы» или «Time out» (1984)

Первая премия на Международном фестивале анимационного кино в Эшпинью

«Завтрак на траве» (1987)

Первая премия Всесоюзного кинофестиваля, премия Ника, премия за лучший мультфильм на МКФ в Мельбурне, Главная премия Загребского международного фестиваля анимационного кино, главная премия на международном фестивале короткометражных фильмов в Тампере.

«Уходя гасите свет!» (1988)

Социальная реклама, получившая в 1988 году бронзового льва на Каннском фестивале, единственный советский рекламный ролик, отмеченный мировой общественностью. По сюжету мужчина бросает жену и своих детей, но в последний момент возвращается чтобы потушить свет.

«Отель Е» (1991)

Первый мультфильм который Прийт Пярн снял в независимой Эстонии.

Прийт Пярн продолжает создавать анимационные шедевры. На сегодня количество его мультфильмов стремится к двадцати.

Видео об эстонской анимации

Заглавное фото кадр из социальной рекламы “Уходя гасите свет”

Сообщение Анимация Прийта Пярна, как отдельное направление эстонской анимации появились сначала на MultTov Новости Анимации.

Как пришла в анимацию

Выбор мультипликации в качестве дела жизни был для меня естественным. Благодаря работе отца (отец Анны Львовны — Лев Константинович Атаманов, классик отечественной анимации, — прим. tvkinoradio.ru) я с детства окунулась в мир этого искусства и, конечно, как любому ребенку, мне это очень нравилось. А то, что нравится — затягивает.

Художник-фоновщик студии «Союзмультфильм» Анна Львовна Атаманова / Фото: из личного архива Анны Львовны Атамановой. Фото с сайта tvkinoradio.ru

Рисовать я тоже начала с детства, посещала кружок при Доме кино, затем — художественное училище. В 1966 году я пошла на курсы художников-мультипликаторов при «Союзмультфильме» и с того же года приступила к работе на студии. Конечно, рисовать фоны я начала не сразу. Отец посоветовал мне изучать все с азов и первым местом, куда я попала, стал цех черновой фазовки.

Законы движения

Черновая фазовка — работа не самая сложная, но требует большой внимательности, знания рисунка и физиологии движения. Сначала мультипликатор разрабатывает основные положения персонажей в какой-то сцене. Допустим, бег собаки, полет птицы, походка ребенка и т.д. В мультфильме движется все, у нас и деревья ходят! Он записывает основные действия в экспозиционном листе.

После — сцена попадает к фазовщику, который должен дополнить основные положения (фазы) персонажа промежуточными. Самое сложное — «подхватить» заданный образ персонажа и не отклоняться от пропорций. Я не могла привнести что-то от себя, за исключением соблюдения законов движения, например, того же сжатия-растяжения, когда оно было необходимо.

Иллюстрация закона сжатия-растяжения / Фото: скриншот из книги «The Illusion Of Life Disney Animation», Frank Thomas, Ollie Johnston. Фото с сайта tvkinoradio.ru

Иногда приходилось переделывать сцены, если мультипликатор не сразу понимал требования режиссера, потому что «войти» в образ персонажа с первого раза бывает непросто. Для этой работы надо рисовать быстро и не упускать важных деталей.

Многое определялось на подготовительном периоде: режиссер заранее помечал, кто мог бы лучше сделать определенный сюжет, ведь почти у каждого художника-мультипликатора была своя специализация. Скажем, кому-то блестяще удавались лошади, кому-то — человеческие персонажи. Фазовщики тоже отличались по способностям, и некоторые сцены могли поручать конкретным художникам. Я, насколько помню, рисовала все.

Ассистент Хржановского

Художник-фоновщик студии «Союзмультфильм» Анна Львовна Атаманова / Фото: Евгений Пахоль. Фото с сайта tvkinoradio.ru

До фонового цеха я работала не только в фазовке. На студию я пришла вместе со Станиславом Соколовым (известен по своим работам в кукольном кино, в частности режиссер «Гофманиады», — прим. tvkinoradio.ru), и вскоре мы попали к Андрею Хржановскому на его первый мультфильм «Жил-был Козявин» (1966), а затем работали на «Стеклянной гармонике» (1968) и на многих других картинах.

Мультфильм «Жил-был Козявин» (1966)

У Хржановского я выполняла обязанности художника-ассистента и всего, что делала, не перечислить. Например, обрабатывала готовые фазы — к залитой на целлулоиде сцене добавляла различные мелкие детали, накладывала тени, усиливала отдельной краской блеск в глазах, огонек фонаря или пламя свечи. Помню, уже позднее, когда я стала фоновщиком, меня пригласил на такую работу Федор Хитрук.

Кадр из м/ф «Винни-Пух» (1969) / Фото: «Союзмультфильм». Фото с сайта tvkinoradio.ru

Они не успевали со сдачей очередной серии про Винни-Пуха, и нужно было сделать торцовку. Так мы называли нанесение поверх целлулоида различной фактуры с помощью заливочной краски. Помните, какая у Винни-Пуха мордочка? Она выглядит выпуклой, объемной, потому что на нее нанесен дополнительный слой. Мы сминали пергамент и накладывали с его помощью краску. Это придавало определенной живости в кадре, очень интересное решение.

Любовь к краскам

Когда мне предложили перейти в фоновой цех, я была очень рада и удивлена. Дело в том, что туда далеко не всех принимали. Нужно было рисовать хорошо и быстро, плюс уметь работать с красками. А я вообще-то карадаш не очень люблю. Я люблю краски. Есть такое разделение среди художников, это просто разные типы мышления. У нас были прекрасные художники, например, Гелий Аркадьев (художник-фоновщик, а впоследствии художник-постановщик многих отечественных мультфильмов, — прим. tvkinoradio.ru). Он пробовался в фоновой и при том, что получалось у него блестяще, он не успевал вырабатывать норму по времени. У меня получилось.

Когда ты приходишь в новый цех, сначала становишься учеником, ведь у тебя уже другая профессия. Я училась буквально три-четыре дня. В качестве пробы мне дали эскиз художника Виктора Никитина к мультфильму «Пастушка и трубочист» (реж. м/ф Лев Атаманов, — прим. tvkinoradio.ru). Мне нужно было его повторить, причем, на время. Когда я справилась, решили, что если меня пригласят на картину, я могу начинать работать.

Фон к мультфильму «Пастушка и трубочист» (1965) / Фото: из личного архива Анны Львовны Атамановой. Фото с сайта tvkinoradio.ru

Мне повезло сразу же попасть в группу Макса Жеребчевского, художника-постановщика, который работал в тот момент на полнометражном мультфильме Василия Ливанова «Синяя птица» (1970). Он любил брать к себе молодых художников, и у нас сложилось длительное сотрудничество. Тандемы между режиссерами и художниками-постановщиками — не редкость. Например, мой отец много работал с талантливыми художниками Александром Винокуровым и Леонидом Шварцманом. Такие же союзы в свою очередь устанавливались и между художниками-постановщиками и фоновщиками.

Мультфильм «Синяя птица» (1970)

Что делает фоновщик

Фоновщики работают с фоновым изображением по эскизам, созданным художниками-постановщиками. На одночастевую (в среднем 8-10 минут) картину художник-постановщик обычно делал пять-шесть эскизов фонов. Я получала конкретный эскиз, компоновки и должна была нарисовать фон для отдельной сцены.

Это мог быть не целый фон, а лишь какой-то небольшой фрагмент, в котором нужно было проработать детали. Все зависело от крупности, ракурса. Особое внимание уделялось размеру кадра. Фон всегда должен быть чуть больше, с запасом, потому что в процессе съемки кадр сдвигается.

Мы работали на деревянных планшетах, они были самого разного размера. Когда я работала на кукольных фильмах, там планшеты были три-четыре метра в длину и полтора-два в ширину, с ними не так просто справиться. Итоговые фоны вымеряли. Что не попадало в кадр, уже не считалось как часть выполненной нами работы. Вообще работа условно оценивалась по восьми категориям сложности.

Фон к мультфильму «Мышь и верблюд» (1987) / Фото: из личного архива Анны Львовны Атамановой. Фото с сайта tvkinoradio.ru

Самым простым считался гладкий одноцветный кадр. Но и тут простота обманчива: надо правильно подобрать цвет, «раскатать» краску, чтобы все было идеально гладко. Из-за увеличения на экране становятся явными все ошибки. Поэтому даже в гладком кадре нужно быть внимательным к мельчайшим деталям, например, не оставить случайно волосок от кисточки.

Техника ограничена лишь фантазией

Говоря о технике рисунка, надо учитывать, что у каждого художника своя манера, плюс она меняется в зависимости от конкретного мультфильма. Вспоминая мультфильмы, над которыми я работала, не могу выделить какой-то один, я любила все.

Мне кажется, не любя, ничего и не сделаешь. Но прежде всего, я любила художников, с которыми работала: Макса Жеребчевского, Даниила Менделевича, Сергея Алимова, Владимира Зуйкова. Мне посчастливилось работать на нескольких картинах у Инессы Ковалевской, а она часто сотрудничала с разными талантливыми художниками (Анна Львовна работала над м/ф «В порту» (1975) и «Детский альбом» (1976) — прим. tvkinoradio.ru).

Для меня интересной техникой была работа на фактуре заливочной краски. Уже на залитый на целлулоид рисунок надо было наносить фон. Сложность в том, что ты работаешь с изнаночной стороной и видишь все задом наперед. Так я делала фоны в «Лисе Патрикеевне» Галины Бариновой, а также многие картины Анатолия Петрова.

Мультфильм «Лиса Патрикеевна» (1982)

Мы часто изобретали разные техники нанесения фактуры — с помощью куска мятой пергаментной бумаги, губки, щетки, пера и так далее. Можно сказать, все ограничивала лишь фантазия. Мне очень помогало художественное образование, быстрая хватка и умение многое делать руками. В юности я училась в училище народных промыслов, умела шить, плести кружево, мастерить поделки. Все эти навыки пригодились в мультипликации.

В ногу со временем

Считается, что в 1960-е годы в нашей анимации стало принято более условное изображение персонажей и фонов, чем в 1950-е. Конечно, со временем техника менялась. Это отлично видно на примере творчества моего отца.

В 1920-х, когда он начинал, рисунок был простым, во многом похожим на шарж. Вернувшись на «Союзмультфильм» после войны, он создал фильмы в классической технике — «Желтый аист» (1950), «Аленький цветочек» (1952), «Золотая антилопа» (1954), «Снежная королева» (1957). Фоны в них очень богаты на детали, хотя встречаются и строгие минималистичные композиции, которые оттеняют общую стилистику живописного изображения.

Кадр из фильма «Снежная королева» (1957) / Фото: «Союзмультфильм». Фото с сайта tvkinoradio.ru

Художественное решение всегда зависело от конкретного сюжета. Например, уже в 1984 году Иванов-Вано снял «Сказку о царе Салтане» в старой классической технике, хотя до этого у него были новаторские работы «Левша» (1964), «Сеча при Керженце» (1971). Последний — совместно с Юрием Норштейном. Во всех случаях нельзя забывать про работу художника-постановщика, именно он определяет визуальный стиль будущего фильма. Фоновщики в своей работе опираются на это решение.

Кадр из мультфильма «Сказка о царе Салтане» (1984) / Фото: «Союзмультфильм». Фото с сайта tvkinoradio.ru

Я помню, в более поздней моей работе — мультфильме Елены Федоровой «Загадка» (1988) мы использовали минималистичные композиции, акварель и простые цвета. Практически все режиссеры и художники шли в ногу со временем, стараясь не забывать опыт прошлого.

Кадр из мультфильма «Загадка» (1988) / Фото: из личного архива Анны Львовны Атамановой. Фото с сайта tvkinoradio.ru

В качестве источников вдохновения могли использоваться референсы из живописи. К примеру, делая мультфильм «Балерина на корабле» (1969), отец в качестве отправной точки для решения фонов выбрал картины Рауля Дюфи. А Андрей Хржановский в «Стеклянной гармонике» опирался на известные полотна Рене Магритта.

Кадр из фильма «Стеклянная гармоника» (1968) / Фото: «Союзмультфильм». Картина «Человек в котелке», Рене Магритт. Фото с сайта tvkinoradio.ru

Немного о современной анимации

Я не отрицаю компьютерную анимацию. Время течет, технологии меняются. Но мне не нравится компьютерный рисунок. Когда ты делаешь рукой, ты делаешь с сердцем. Казалось бы, современные технологии позволяют сделать так много и главное — так быстро. И все-таки они не позволяют передать душу художника.

Я смотрю новые работы «Союзмультфильма». Среди них есть хорошие, например, был чудесный мультфильм «Два трамвая» (2016). Есть много достойных работ в авторской анимации. Но это другое. Мне кажется, очень важно не забывать опыт прошлого.

Мультфильм «Два трамвая» (2016) реж. Светлана Андрианова

За рубежом наряду с компьютерной анимацией продолжают применять старые техники. Надо подбирать такие художественные решения, которые будут созвучны характеру истории. Для меня по-прежнему в рисунке, сделанном рукой, больше жизни, а компьютерное изображение — мертвое. Надеюсь, время в итоге всех рассудит.

Заглавное фото с сайта TvKinoRadio

Сообщение Анна Атаманова, художник-фоновщик, о работе в «Союзмультфильме» появились сначала на MultTov Новости Анимации.

Тридцать девять аниматоров: иранцев, американец и русская объединили усилия, чтобы создать анимацию «Knock Knock», антологию трехсекундных анимационных клипов. Вы можете посмотреть фильм, который Cartoon Brew эксклюзивно опубликовал мультфильм, ниже:

Проект является детищем Касры Яздани, аниматора и дизайнера с семилетним опытом работы в отрасли. Поработав в разных студиях, Яздани стал независимым аниматором два года назад, чтобы сосредоточиться на своих собственных фильмах. Сложность сосредоточиться на сольном проекте сделала перспективу аниджама такой привлекательной, о чем он рассказывает для Cartoon Brew ниже.

Задача была проста: у каждого аниматора было три секунды, чтобы анимировать что-то, входящее в кадр, ударяющееся о поверхность, затем выходящее через дно. Художники взяли этот формат и побежали с ним во всех направлениях: «Knock Knock» содержит стилистику поп-арта, политическую сатиру, упражнения по абстракции, дань супер героя и многое другое, анимированные в различных средах.

Анимационная индустрия Ирана попала в заголовки новостей в прошлом году, когда впервые представила на «Оскар»: «Последний вымысел». В фильме, эпическом рассказе о мифологическом мире, рассказывается о растущих производственных мощностях страны. «Knock Knock» демонстрирует совершенно другое: творческий потенциал аниматоров в стране (и за ее пределами). В следующем интервью Яздани рассказывает нам, как проект объединился, и оценивает анимационную сцену Ирана.

Когда у вас появилась идея для этого проекта и почему?

Касра Йездани Однажды ночью, когда я слушал подкаст, я услышал об инсталляционной выставке с участием

Касра Йездани Фото с сайта cartoonbrew.com

почти 90 отдельных художников, на которой каждый из них делал куб размером 1 × 1 × 1 метр. Хотя я должен сказать, что не нашел ни фотографий, ни видео этого события.

Все это произошло [в то время, когда] я пытался сделать короткую анимацию сам, но я был так занят выполнением несвязанных поручений! Вот тогда-то и пришла мне в голову идея сделать небольшую двух или трехминутную выставку с множеством действительно коротких работ. Идея о том, как один предмет влияет на мысли группы художников, была для меня действительно заманчивой.

Как вы выбрали участвующих аниматоров?

Касра Йездани Для меня было важно отложить свои предпочтения, чтобы проект не сузился с моими выборами. Я хотел, чтобы результат был более гибким для зрителей. В этом проекте у нас огромное разнообразие аниматоров, которые занимаются различными аспектами этой отрасли, такими как экспериментальные работы, реклама или художественные фильмы.

В Иране у нас недостаточно студий, специализирующихся на анимации, чтобы охватить всех аниматоров. Так что большинство известных аниматоров являются фрилансерами. Анимация в Иране началась задолго до исламской революции, более 40 лет назад. У нас есть ветераны, которые все еще работают, но большинство хороших людей, которые в некотором роде руководят более современной точкой зрения, относятся к молодому поколению. Например, в настоящее время в Иране работает группа под названием «Анимационный эксперимент», чтобы ознакомить аудиторию с не относящимися к мейнстриму типами анимации.

Вы давали им какие-либо инструкции помимо того, что упомянуто во введении?

Касра Йездани Размер кадра должен был быть 1080 × 1080 пикселей. Я предположил, что использование квадратного соотношения сторон является отличным инструментом, чтобы рассказать свою историю с большей честностью, чтобы аудитория не попала в ловушку ненужных деталей.

Сколько аниматоров иранцы и откуда не иранцы?

Касра Йездани У нас есть 40 работ с 41 художником. Сначала предполагалось, что в этом проекте будут участвовать три приглашенных художника, но один из них ушел по личным причинам. Из-за временных ограничений нам пришлось заменить его иранским аниматором. Итак, есть два иностранных художника из Америки и России, пять иранских художников, которые живут за границей, и 34 иранских аниматора, которые живут здесь, в Иране.

Каковы самые сильные стороны иранской индустрии анимации на сегодняшний день, и какие самые большие проблемы она испытывает?

Касра Йездани На мой взгляд, самая большая сила иранской анимации – это разнообразие, которое мы наблюдаем на протяжении всей работы. В этот момент количество анимации, имеющей собственный уникальный голос, растет с каждым днем.

О проблемах: [в то время как] огромная сумма бюджета расходуется на позорные работы, проводимые крупными киностудиями при поддержке правительства и официальных СМИ страны, тех отдельных художников, которые действительно заслуживают финансовой поддержки для работы над своими искусство с ясным умом действительно не получает никакой помощи от правительства или даже от частного сектора. Таким образом, художники здесь должны устроиться на дневную работу, чтобы финансировать свои художественные проекты. Пейзаж шоу-бизнеса в Иране настолько отличается от того, что люди признают динамичной индустрией.

Профиль иранской анимации растет за границей – «Последний вымысел» – хороший пример. Оказывает ли это ощутимое влияние на индустрию анимации в стране?

Касра Йездани Я полтора года работал в студии, которая являлась продюсером «Последнего вымысла». Многие трудолюбивые и талантливые люди участвовали в создании этого фильма; мы должны признать их усилия. Но, я думаю, что нам еще предстоит увидеть анимационный фильм с респектабельными качествами. Хотя, если вы посмотрите на работу независимых кинематографистов в Иране, вы всегда найдете что-то стоящее, чтобы посмотреть. [У них] нет большой платформы, и им трудно услышать свой голос.

Вот список участвующих художников в «Knock Knock»:

• Педрам Тагави
• Алиреза Нагизаде
• Хамид Сохраби
• Хамед Хоссейнзаде
• Faeze Sepehrsadeghian
• Голрох Хеммати
• Агиль Хоссейниан
• Гольназ Могаддам
• Али Аббасния
• Вера Поздеева
• Parastoo Kardgar
• Арман Алипур
• Али Битараф
• Махса Аббаси
• Фатим Джазеби
• Хоссейн Фирузи
• Бахрам Могадам
• Амин Хагшенас
• Махмуд Мохтари
• Масуд Моради
• Сара Садегзаде
• Бабак Арджманд
• Сабер Хеммати
• Мехран Иранлоо
• Тина Бахрей
• Саджад Сабур
• Амир Сахархиз
• Нейри Эйвазы
• Хади Табаси
• Мехран Мехраби
• Джамал Рахмати
• Армита Ахаван
• Мохаммаджавад Ростами
• Кайл Мартинес
• Ходжат Азампур
• Хесам Мохбер
• Касра Йездани
• Джавад Аят
• Соголь Санагу
• Амир Каземи
• Азин Дашти

Интервью было слегка отредактировано для ясности. Заглавное фото с сайта cartoonbrew.com

Сообщение Опыт международного сотрудничества, короткометражка «Knock Knock» созданная 39 аниматорами появились сначала на MultTov Новости Анимации.

Кто придумал применение целлулоида

Первым значимым изобретением которое помогло создавать мультфильмы произошло в 1888 году. Эмиль Рейно французский изобретатель усовершенствовал свой праксиноскоп (на фото ниже), Рейно первым нанес нарисованные изображения на 35-миллиметровую целлулоидную ленту. Применение ленты дало возможность демонстрировать движение картинок на экране. Вначале организовал импровизированный показ для знакомых. И только через четыре года, 28 октября 1892 года широкая аудитория получила возможность посмотреть на «Оптический театр». Событие состоялось в парижском музее восковых фигур Гревен. Сегодня эту дату принято считать днем рождения мировой анимации.

Праксиноскоп / Фото: Ronald Grant Archive / Mary Evans с сайта tvkinoradio.ru

По-настоящему значение целлулоида при производстве элементарной анимации открыл уже американец Джон Рэндолф Брэй. Применение этого изобретения удешевило и ускорило производство анимации. А уже в январе 1914-го года он предоставил патентную заявку на изобретение метода по выведению неподвижных частей изображения (фонов, декораций) на отдельный слой полупрозрачной бумаги. Этот процесс позволил избавиться от полноценной прорисовки в каждом следующем кадре. В своей заявке Брэй также описал возможность использовать бумажные вырезки для достижения объемного эффекта. Эту технику впоследствии назвали «плоской марионеткай».

Мультфильм «Полковник Хиза-лгун» (1915)

Как придумали покадровую анимацию

Двое английских режиссеров-изобретателей Джон Стюарт Блэктон и Альберт Э. Смит вошли в историю анимации как создатели первого кукольного (к сожалению, несохранившегося) мультфильма «Цирк лилипутов» (1898).

Значение этой ленты в открытии

У них получилось добиться эффекта покадрового движения. Они имитировали движение, перемещая объекты во время съемки (героями их мультфильма были деревянные игрушки) при выключенной камере. Эта технология позволила создать иллюзию непрерывного движения. Это элементарное открытие стало основой классической анимации.

Немного позже Блэктон и Стюарт создали мультипликационную серию «Комические фазы смешных лиц» (1906), при создании которой продолжали свои эксперименты уже с рисунками.

Мультфильм «Комические фазы смешных лиц» (1906)

Кто придумал графическую анимацию

Родоначальником графической анимации в ее классическом понимании считается француз Эмиль Коль. Он первым оживил рисунки человечков, которых он назвал «фантошами» («Фантасмагория или Кошмар фантоша», 1908). Для того, чтобы оживить рисунки Коль применил технику покадровой анимации. Он рисовал каждую позу вручную, впоследствии объединил каждый рисунок в единую последовательность действий.

Его одно из самых важных открытий мировой мультипликации стало объединение игрового фильма с нарисованным («Сияние испанской луны», 1909). В дальнейшем эту технику использовали в серии «Алиса в стране чудес» (1922-1927) Диснея, «Новый Гулливер» (1935) Александра Птушко и в более современном «Кто подставил кролика Роджера» (1988) Роберта Земекиса.

Мультфильм «Фантасмагория» (1908)

Как придумали ротоскоп

Спустя определенное время пришли к выводу, что в обычном оживлении простых рисунков не достаточно убедительности. Возникла необходимость в таком подходе, который позволит создавать персонажей максимально естественными.

Свой вклад в развитие анимации сделал Макс Флейшер в 1914 году. Ввел в обиход применение метода проекции кадра кинофильма на просвет сквозь кальку на которой создавали рисунок содержимого кадра. С помощью этой техники получилось достигнут большего правдоподобия движения, и мультфильм был более естественным. Изобретение в дальнейшем приобрело «ротоскоп». Совместно со своими братьями Джо и Дейвом был произведен экспериментальный фильм, в дальнейшем переросший в знаменитую серию «Из чернильницы».

Мультфильм «Время сна», реж. Дейв Флейшер (1923)

Эта техника создания мультфильмов успешно применялась Диснеем для работы со всеми человеческими персонажами, например, Белоснежкой и других известных принцесс. В советской практике «ротоскоп» получил внутристудийное название «эклер».

В 1950-х годах технологию «эклер» использовали для создания с помощью мультипликации положительных персонажей в облике людей («Аленький цветочек», «Снегурочка», «Сказка о рыбаке и рыбке» и др.). Некоторые источники рассказывают, что этой технике аниматоры частично доверяли, думая, что точное копирование обедняет анимацию как искусство.

Применение запечатленных на пленке актеров использовали как вспомогательный метод, который необходим для повышения опыта художников. Споры относительно допустимой степени натурализма во время использования ротоскопа продолжались длительное время. Стоит заметить, что большинство профессионалов пользовались этой техникой избирательно, рассматривая как дополнительный прием при решении сложных технических задач.

Кадр из «Белоснежки» (1937) / Фото: Disney с сайта tvkinoradio.ru

Кто придумал абстрактную анимацию

Немецкие художники-абстракционисты обратились к анимации как к средству передачи чистых форм. Их бессюжетные короткометражки на первый взгляд кажутся хаотичным набором перемещений геометрических фигур и линий. Однако это не так.

«Диагональная симфония» Викинга Эггелинга (1921) и «Оптическая поэма» (1937) Оскара Фишингера стали визуальными эквивалентами музыки, где с помощью переклички света, теней и цвета подчеркивается ритм как способ выражения эмоции, звука, композиции.

Мультфильм «Оптическая поэма» (1937)

В своих экспериментах они одними из первых применили ряд необычных техник. Например, работы Вальтера Руттманна («Опусы I-IV», 1921-1925) стали первым примером использования техники ожившей живописи.

Он исследовал цветовые акценты, постепенно усложняя структуру движения предметов, вводя два и более элементов в кадр, замедляя, а затем ускоряя ритм. В его анимации оживают простейшие пейзажи (волны, солнце) и передаются ощущения (порывы ветра, дыхание).

Процесс оживления эскизов включал в себя три этапа:

• рисунок маслом по стеклу прямо под камерой и покадровая съемка после каждого мазка;
• комбинирование с перекладкой на втором стеклянном слое;
• тонирование пленки и раскрашивание вручную каждого кадра.

Мультфильм «Опус II» (1921)

Опыты этих пионеров позволили добиться впечатляющих результатов следующим поколениям абстрактных аниматоров: Лен Лаю («Калейдоскоп», «Ящик с красками», 1935-1937); Стэну Брекиджу («Свет мотылька», 1963); Джону Уитни («Арабеска», 1975); Адриану Локману («Штрихкод», 2002, «Поток», 2019); Михаэлю Дюдок де Виту («Аромат чая», 2005); Нану Вангу «Поэзия пыли», 2014) и другим.

Мультфильм «Штрихкод» (2002)

Кто придумал потоковое производство анимации

Имя Уолта Диснея не нуждается в особом представлении, а перечисление его заслуг перед анимацией может занять не одну страницу: использование звука («Пароходик Вилли», 1928), цвета («Цветы и деревья», 1932), съемка полнометражного мультфильма («Белоснежка и семь гномов», 1937), ксерография («101 далматинец», 1961) и достижение небывалого уровня профессионализма в ритме, проработке облика персонажей и детализации фонов.

Справедливо заметить, что Дисней не был новатором в области многих технических решений. К примеру, первым полнометражным анимационным фильмов считается El Apostol аргентинского режиссера Квирини Кристиани. А многие из важных визуальных находок были предложены его коллегой — аниматором Абом Айверксом, создавшим Кролика Освальда и Микки Мауса.

Мультфильм «Цветы и деревья» (1932)

Однако главным достижением Уолтера является выведение анимации на коммерческий уровень. Дисней сумел объединить разрозненное производство мультфильмов в единую систему и добиться безоговорочного признания мультипликации широкой аудиторией. Он принял активное участие в становлении анимации как отдельного коммерческого формата.

Для развития анимации важными стали и его нововведения в области организации труда: разделение аниматоров по специализациям (гэги, сюжет, эмоции, характерные черты персонажей и т.д.); проведение обучающих семинаров и мастер-классов для работников студии.

Создание мультфильма «Белоснежка» (1937)

Система потокового производства, построенная Диснеем, явилась образцом для создания российской студии «Союзмультфильм».

Disney по сей день является брендом и эталоном качества, хотя в разные годы с ним успешно конкурировали многие анимационные студии.

Как появилась бескамерная анимация

Продолжатель традиций абстрактной анимации канадец Норман Макларен в 1930-х годах начал экспериментировать со съемкой анимационных фильмов без использования камеры. Сначала он просто смывал эмульсии с бракованной кинокопии и на прозрачной целлулоидной ленте рисовал изображение, не придерживаясь при этом покадрового разделения. Для передачи пространства он использовал эффекты пикселизации и наложения.

Позднее, бескамерным методом он создал ряд фильмов, работая под руководством документалиста Джона Грирсона в Канадском Национальном управлении кинематографией. Также Норману принадлежит идея метода «фундус», позволяющая менять форму и цветовую гамму рисунков. Для этого он сконструировал специальный стол с тремя сменными плоскостями. Макларену удалось прийти и к ряду революционных заключений в синхронизации анимации с музыкой.

Мультфильм «Мерцающая пустота» (1955)

Как появилась тотальная анимация

Тотальной анимацией принято считать движение фона вокруг персонажа, или совместное движение фона по отношению к персонажу и персонажа. В Америке первооткрывателем быль Дисней. В СССР принято считать, что первый мультфильм в котором была применена эта техника «Почта» Михаила Цехановского. Мультфильм появился в 1929 году. Эта анимация сделала переворот в киноиндустрии СССР. Именно после выхода этой анимации, мультфильмы стали считать, как самостоятельную разновидность в искусстве.

Мультфильм «Ночь на лысой горе» (1933)

Тотализация до сих пор считается одной из самых сложных анимационных техник. Как правило, к ней прибегают для создания отдельных эпизодов длиной до нескольких секунд, хотя есть мультфильмы, полностью сделанные в тотальной анимации, например, «Завтрак на траве» (1987) эстонского режиссера Прийта Пярна.

Мультфильм «Завтрак на траве» (1987)

С развитием компьютерных технологий оцифровка заднего плана стала менее энергозатратной, но все же применяется реже стандартного подхода со статичным фоном.

Кто придумал компьютерную анимацию

История создания компьютерной анимации начинается с 1950-х годов. Самые первые, пока не уверенные шаги делались на многих материках нашей планеты. А серьезный скачек был в 1960-х босле которого началось стремительное движение в перед. В 1962 году американский ученый Айвен Сазерленд разработал систему Sketchpad, которая позволяет управлять изображением на экране компьютера. За нее он получил премию Алана Тьюринга.

Уже в 1963 году студия Disney применила систему Audio Anomatronics, которая привела в движение компьютерные модели животного и человека. Цифровые технологии постепенно стали захватывать мир анимации.

Но первым, кто применил компьютерную графику в творческих целях, стал венгерский аниматор Петер Фёльдеш, показавший в 1971 на фестивале в Аннеси свой мультфильм «Метаданные».

Мультфильм «Метаданные» (1971)

Кто придумал 3D-анимацию

Первой экспериментальной работой в технике 3D-анимации считается короткометражка «Компьютерная анимация руки» (1971). Ее создали два студента: Эдвин Кэтмулл (ставший позже президентом Disney и Pixar) и Фред Парк, будущий ученый в области компьютерной инженерии.

Компьютерная анимация руки (1971)

Эстафету объемной анимации подхватил Джордж Лукас, применив 3D в «Звездных войнах» (1977) и студия Disney в фильме «Черная дыра» (1979), а первым мультфильмом, выполненным в новой технологии стала полнометражная «История игрушек» (1995) Джона Лассетера.

Источник и заглавное фото TvKinoRadio

Сообщение Кто придумал мультфильмы, десять изобретений в анимации появились сначала на MultTov Новости Анимации.

В 2016 году Джон Морена пришел к осознанию. Ему было около 40 лет, и хотя он успешно работал в качестве коммерческого аниматора, он был недоволен. Его попытки за долгие годы разработать собственный фильм ни к чему не привели. Его амбиции как художника остались нереализованными.

Этот «момент пришествия к Иисусу», как он его описывает, побудил Морену возродить старую идею. Каждую неделю в течение года он делал очень короткий анимационный фильм с целью изучения необычной анимации и технологий VFX, которые он мог бы затем использовать в своей заказной работе. Он загружал их в Instagram, что ограничивало продолжительность каждого фильма максимум 60 секундами. Морена написал манифест с изложением своих принципов, затем присел на корточки в своем доме в Нью-Йорке и приступил к работе.

Год спустя, «Район 52» – как проект стал известен – был завершен. Морена обнаружил, что фильмы не только дали ему новое чувство удовлетворения, но и сами по себе были интересны. Он

Джон Морена. Фото с сайта cartoonbrew.com

начал представлять своих любимых на фестивалях, успешно: их выбрали, чтобы показывать в Аннеси, Хиросиме, Оттаве и Анима Мунди, среди других. Морена может быть единственным режиссером, который когда-либо имел шесть фильмов одновременно на конкурсе в Анси.

На фестивальной схеме эти работы привлекли внимание выдающегося дистрибьютора Autour de Minuit, который выпустил на Youtube 25 из них – Area 52 «A-Sides» – на этой неделе. Они представляют собой потрясающую коллекцию, охватывающую все виды техники: вырезание, пикселизация, цифровая иллюстрация и т. Д. Самородки жестких социальных комментариев чередуются с абстрактными экспериментами в движении. Как правило, они избегают диалога.
Cartoon Brew рассказал Морене о своем творческом процессе, об относительных достоинствах Instagram и Youtube, а также о причине, по которой он потерял кучу клиентов.

Сколько времени вы потратили на создание каждого фильма, и как вы вписали их в свою коммерческую работу?

Джон Морена: В среднем, они занимали три или четыре дня. Приспосабливаясь к их производству и работе по заказу ставило мою личную работу на первое место. Вместо того, чтобы создавать график создания фильмов на основе моей коммерческой работы, я сделал совершенно противоположное, и организовал свое обычное рабочее время вокруг фильмов. Проще сказать, чем сделать. Это потребовало сказать «нет» на многих рабочих местах и потерять некоторых клиентов. Это потребовало большого изменения в моем отношении к работе.

Звук, который вы, в общем-то, создали, занимает центральное место в этих фильмах. Вы создавали звук и изображения в тандеме?

Морена: Это изменилось. Для таких фильмов, как «String of Sound» и «Face Value», мне понадобилась предварительно вырезанная звуковая дорожка для анимации. Другие, такие как «Дом: портрет Нью-Йорка», были анимированы по кусочкам без звука, объединены в редактировании, и звуковой дизайн был сделан последним.

Вы отказались от некоторых фильмов на полпути. Как вы узнали, когда не стоит заканчивать?

Морена: Когда это чувствовалось вынужденным. В большинстве случаев хорошим решением для этого было пойти в совершенно радикальном направлении от первоначальной концепции. Но, иногда это не срабатывало, поэтому мне пришлось полностью выбросить это, и придумать что-то еще.

Вы когда-нибудь чувствовали, что формат ограничивает ваше творчество?

Морена: Нет, совсем наоборот. Подобные ограничения существуют там, где происходит волшебство, и 60 секунд могут быть очень полезными для фильма, если вы используете его с умом. Я был в состоянии быть кратким и очень ясным в том, что я хотел сказать, и мог представить это больше как заголовок новостей, а не как целую статью. Я всегда рекомендую другим кинематографистам, особенно молодым кинематографистам, ограничивать себя, и делать это как можно проще.

Вы изучали подобные проекты – скажем «365» Грега Маклеода, для которых он анимировал одну секунду в день в течение года?

Морена: Я видел «365», это удивительный подвиг самоотверженности, но я старался не поддаваться влиянию других фильмов. Я много читал. Я также смотрел много архивных интервью с художниками, которых я уважаю. Также очень помогло выйти из дома и наблюдать за миром с повышенным чувством осознанности.

Я пытался охватить как можно больше вещей, и использовать их как концептуальное вдохновение. Мне нравится делать фильмы, которые выражают мое мировоззрение. Поэтому, я больше сконцентрирован на том, чтобы отточить то, что я хочу сказать, как можно более четко и лаконично, и просто использую физический акт кинопроизводства как большую игровую площадку. Я позволил ошибкам и неожиданностям произойти, и много раз они были к лучшему.

Вы сказали, что сериал по сути о том, какие мы все животные, и действуем соответственно. Эта тема возникла во время проекта или вы задумывались над этим?

Морена: Определенно изложено с учетом этого, и это было сутью большей части проекта. Некоторые из фильмов являются просто экспериментальными и не содержат этот слой комментариев, но большинство из них делают.

Удивило ли вас что-нибудь о том, как фильмы загружались в Instagram?

Морена: Да – один действительно большой побочный эффект заключался в понимании того, что приверженность цели была заразной для других. Я получил бесчисленные сообщения и электронные письма от случайных незнакомцев, которые выразили, что они вдохновлены пойти и сделать то, что они всегда хотели сделать.

Как вы выбрали, какие фильмы отправлять на фестивали, а какие представлять в рамках этой коллекции вместе с Autour de Minuit?

Морена: Я выбрал те, которые, по моему мнению, были самыми сильными, и в итоге получил список из 29. Три из этих фильмов были объединены в один фильм под названием «Дом: портрет Нью-Йорка», а два других были объединены в один фильм. называется «Невнятная». Интересно отметить, что отдельные фильмы, из которых состоят эти два более длинных фильма, сами по себе не очень хорошо себя зарекомендовали. Но когда они собрались вместе, они неожиданно стали премьерными в Анси. Это безумие, как изменение резонанса чего-то, может изменить его успех.

В любом случае, объединение этих фильмов в более длинные фильмы привело к сокращению списка до 26. Эти 26 фильмов были представлены на всех фестивалях, которые я мог найти без платы за подачу. Оказывается, все лучшие анимационные фестивали в мире бесплатны, поэтому мне повезло.

Что касается Autour de Minuit, они связались со мной сразу после объявления выборов Аннеси в 2018 году и попросили посмотреть шесть фильмов, которые у меня были на конкурсе. Посмотрев эти шесть фильмов, они попросили посмотреть все 52. Я закончил тем, что показал им 26 фильмов, которые я отправлял на фестивали, и они сказали, что хотят раздать их все. Они также действительно хорошая группа людей, с которыми можно работать, так что это благословение для всех.

Что фильмы получают от этого более традиционного пути для демонстрации вне Instagram?

Морена: Ну, три основные платформы для «Зоны 52» все действительно отличаются друг от друга. В Instagram они были чем-то вроде новинки. Кинематографисты обычно публикуют фрагмент более длинного фрагмента, а затем направляют вас по ссылке в своем профиле, чтобы увидеть все это. Помимо «Зоны 52», было комедийное шоу с марионетками под названием «Blark and Son», которое также публиковало эпизоды, которые были достаточно короткими, чтобы их можно было увидеть в полном объеме прямо в ленте Instagram. Там не было других, о которых я знал в то время.

Фестивальные показы – это целый мир. У меня не было такого широкого охвата в Instagram, поэтому на фестивалях было больше людей, которые смотрели фильмы, и все смотрели сразу. Вы можете присутствовать для реакции аудитории. Главные показы конкурса сопровождаются атмосферой престижа, и в зале очень шумно. Вы можете встретить людей, которые только что посмотрели вашу работу, и познакомиться с другими режиссерами, которые только что посмотрели вас. Вы можете провести сеанс вопросов и ответов, и использовать свои слова как продолжение своей работы перед аудиторией. Вы, просто, не можете получить эти вещи в другом месте.

Честно говоря, я избегал Youtube. Раздел комментариев может очень быстро превратиться в выгребную яму. Это место, где господствует менталитет селфи. Одна вещь, которая мне очень нравится в Youtube – это то, что вы можете монетизировать свою работу и сделать ее доступной для вашей аудитории бесплатно. Я действительно хочу сделать мои фильмы доступными для просмотра бесплатно. Таким образом, пока Vimeo не решит предлагать монетизирующие функции для кинематографистов, не прося аудиторию платить за это, это должен быть Youtube. Посмотрим, что получится.

Изначально серия была задумана как полигон для испытаний техник, которые вы могли бы использовать в других проектах. Вы обнаружили какие-либо методы, которые вы хотели бы использовать повторно?

Морена: У меня не было роскоши со временем, чтобы действительно отточить какую-то конкретную технику, поэтому они просто такие, какие они есть. Пока новый фильм требует техники, которую я уже использовал, я определенно попробую это снова. Но я не хочу форсировать это. Я бы предпочел импровизировать, экспериментировать и придумывать что-то новое.

Над чем работаешь дальше?

Морена: Я работаю над новым проектом под названием «The King of Spades». Это еще одна коллекция смешных короткометражных фильмов. Когда люди получают информацию о своем состоянии, используя обычную колоду карт, король пик является самой сильной картой в колоде. Итак, главной темой этого проекта являются механизмы власти и контроля в современном мире.
Я хочу сделать это таким образом, чтобы я мог связать все шорты в один более длинный кусок, длиной около 45 минут, чтобы зрители могли увидеть его как художественный фильм. Или вы можете просто посмотреть один из отдельных короткометражек, и это не обязательно требует в контексте просмотра остальной части.

Вы можете посмотреть все короткометражки из коллекции «52 52 A-Sides» на Youtube. Для получения дополнительной информации о том, как Морена сделал каждый фильм, зайдите в его блог.

Некоторые ответы в этом интервью были отредактированы.

Источник Cartoon Brew

Сообщение Джон Морена объясняет, как он снимал по фильму в неделю в течение года появились сначала на MultTov Новости Анимации.

Разработав свой уникальный стиль, Никита создал несколько значимых короткометражек Ugly и Fest.

После окончания обучения, у Никиты был успешный дипломный проект. Но, впоследствии он с толкнулся с такой ситуацией, когда не знал с чего начать и где черпать вдохновение. Все делали что-то красивое, и совсем не смотрели на обратную сторону. И Никита Диакур решил обратиться к некрасивым вещам, из которых может появиться интересный сюжет.

«Я просто ввел в поисковую строку в интернет «Вдохновение» и добавил «Ugly» – Говорит Никита Диакур. – «И увидел уродливого кота»

Этот гадкий кот стал начальной точкой для работы. Затем возник вопрос в какой программе работать и как визуализировать. И в этом плане стал интересный вид динамичной (интерактивной) анимации, и он начал работать с симуляциями C4D. Сделав несколько тестов (первые были не самые удачные), Никита определился со своим стилем и с программой в которой работает.

Поначалу был применен подход со скелетом и суставами, но подобным способом было сложно заставить персонажей выполнять то, что хочет режиссер. Движения были ломанные. Впоследствии, всех персонажей привязали к веревкам как кукольных марионеток, и добавили пружинки для более плавного и естественного движения. Проведя тесты автор понял, что это то, что нужно. Но при этом, в программируемой анимации мы не можем полностью контролировать персонажа. Компьютер сам просчитывает. Мы можем задавать изменения направления движения как одной части тела, так и всему персонажу, в определенный момент. Но это не значит, что персонаж поступит именно так, как нужно. Иногда, для того, чтобы персонаж резко остановился, перед ним нужно разместить невидимый куб. Часто для достижения нужного результата проводятся тысячи тестов.

У программы есть баги, ошибки. К примеру программа способна переводить двухмерные рисунки в трехмерные, но с багами. С одной стороны, машина как картинка, но если мы начинаем движение камеры вокруг нее, то обратная сторона трехмерной машины идут уродливой карикатурой. Еще один баг с которым пришлось столкнуться автору, волосы. На определенном этапе производства, у персонажей начали очень быстро расти волосы. Пришлось общаться со службой поддержки для устранения этой ошибки, и в финальный проект она не вошла.

Сейчас над этим видом анимации работает несколько компаний, и они достигают своих успехов.

«Я понял, Вы должны сделать, что-то свое» – В завершение сказал Никита Диакур. – «Если нет с чего начать, начните с чего-то».

На данный момент Никита успешно развивается в своем стиле, в том числе делает коммерческую анимацию.

Заглавное фото с официальной страницы facebook Linoleum

Сообщение Как создавать Ugly анимацию и работать с поломанными симуляциями появились сначала на MultTov Новости Анимации.

По сюжету на пограничной заставе Города Тимми. Кевин (женщина) управляет местным салоном McClanahan’s, где она выступает в качестве неофициального лидера /терапевта / защитника горожан. По другую сторону в городе Тимми находится доброжелатель шериф Стейси Лесли (мужчина), чья единственная миссия – закрыть «греховный» бар Кевин и навсегда прогнать ее из города.

Фото с сайта deadline.com

Калан и Джаффе будут писать и участвовать в производстве, а Гейл Берман также будет продюсером через SideCar. Это совместное производство Fox Entertainment и SideCar.
Если проект выйдет в качестве сериала, это будет одно из нескольких анимационных шоу, которые в настоящее время демонстрируют на Fox. В настоящее время в сети есть основные камни «Симпсоны», «Семейный парень» и «Боберские гамбургеры». Анимационное шоу первокурсников «Благослови Хартс» начнется 29 сентября, в то время как другие анимационные шоу «Дунканвилль» и «Великий Север» будут присоединяться к расписанию в середине сезона.
Калан получил четыре премии «Эмми» за работу в качестве главного сценариста «Ежедневного шоу с Джоном Стюартом». Он также руководил сериалом Comedy Central «Ложные новости с Тедом Нелмсом» и возрождением Netflix «Mystery Science Theatre 3000». Его другие проекты включают «Кто был?» и «Harvey Girls Forever!». В настоящее время он является одним из организаторов подкаста «The Flop House» и ранее написал серию комиксов из шести выпусков «Человек-паук и люди-икс». Его руководитель Verve, Artists. Сначала и Шрек Роуз.

Джаффе недавно писала о перезагрузке «Rugrats» для Nickelodeon. До этого она писала для диснеевского мультсериала «Большой герой 6», «CollegeHumor Originals» и MTV «Nikki and Sara Live». Она также является создателем и звездой «Невротики» МФК. Как актриса, она появилась в таких фильмах, как «Punk’s Dead: SLC Punk 2» и «Джек красные сердца». Ее исполняют Герш, Мозаика и Серый Краусс Сэндлер Де Роше.

Фокс объявил о новой сделке с Берманом в феврале как раз перед слиянием 21-го века с Fox-Disney. В соответствии с новым соглашением, Berman и SideCar должны определить и внедрить программирование как для сетевых, так и для сторонних платформ. SideCar будет отвечать за разработку скриптового и незашифрованного программирования в дополнение к активной разработке Fox. Fox сохранит право собственности на все серии, которые происходят под баннером SideCar.

Заглавное фото с сайта theideas.fandom.com источник Variety

Сообщение Fox для разработки анимационного сериала «Салун» привлек Эллиота Калана, Дженни Джаффе появились сначала на MultTov Новости Анимации.

Единственный показ этого документального фильма с элементами анимации состоится на фестивале LINOLEUM 2019 5 сентября в 18:00 в кинотеатре «Жовтень». Картину «Звезда Давида Черкасского» презентуют его продюсер, режиссер и оператор Сергей Волков, представители творческой команды этого фильма-портрета, а также коллеги и друзья Давида Яновича, которые вместе с ним работали над созданием культовых «Приключений Капитана Врунгеля», «Доктора Айболита», «Острова Сокровищ» и многих других анимационных фильмов.

БИЛЕТЫ

Фильм рассказывает об авторе через его работы: как те, что увидели свет, так и незаконченные. Мы узнаем, как они создавались, как разрабатывались герои и сюжетные линии, и в какой атмосфере все это происходило. Отдельно стоит отметить, что для работы над фильмом были приглашены самые близкие друзья и соавторы Давида Яновича, работавшие с ним многие годы:
Бессменный художник Радна Сахатлуев;
Прекрасные актеры, «пираты доброй воли» Виктор Андриенко и Валерий Чигляев;
Автор песен Аркадий Гарцман;
Композитор Владимир Быстряков;
Художник-мультипликатор, жена Давида Яновича Наталия Марченкова;
А также: Игорь Ковалев, Юрий Норштейн, Лариса Малюкова и другие, не менее прекрасные люди.

В фильме использовано множество материалов: фрагменты оригинальных мультфильмов, фотографии, рисунки, эскизы и кинохроника разных лет. Лента создана в духе самого Маэстро Черкасского и посвящается его светлой памяти.
Автор, режиссер и оператор – Сергей Волков
Продюсер – Светлана Степаненко.

Фильм снят при поддержке Государственного агентства Украины по вопросам кино и Министерства культуры Украины.

Фестиваль LINOLEUM 2019 проходит при поддержке Украинского культурного фонда, Государственного агентства по вопросам кино, Посольства Королевства Нидерланды в Украине и Австрийского культурного форума в Киеве.
Организатор фестиваля – анимационная студия Animagrad.
Программные партнеры: Українська Анімаційна Асоціація (УАнімА), Так Треба Продакшн, Digital Cinema Ukraine
Медиа-партнеры: Kinowar.com, bodo.ua, Фокус
Кинотеатральный партнер: Планета Кино
Радио-партнер: NRJ

Следите за новостями на сайте фестиваля, а также в соцсетях Facebook и Instagram.

Справка
Международный фестиваль актуальной анимации и медиа-искусства LINOLEUM – это крупнейший международный анимационный фестиваль в Украине, которой ежегодно с 2014 года предлагает участникам и гостям на протяжении четырех дней посмотреть лучшую отечественную и мировую анимацию, посетить специальную образовательную программу, принять участие в воркшопах признанных и самых известных представителей анимационной индустрии страны, познакомиться и перенять опыт иностранных гостей фестиваля.

Украинский культурный фонд – это государственное учреждение, созданное в 2017 году на основе соответствующего закона Украины с целью поддержки развития национальной культуры и искусства в стране, обеспечения благоприятных условий для развития интеллектуального и духовного потенциала личности и общества, широкого доступа граждан к национальному культурному богатству, поддержки культурного разнообразия и интеграции украинской культуру в мировое культурное пространство. Деятельность фонда, согласно действующему законодательству, направляется и координируется Министерством культуры Украины. Поддержка проектов Украинским культурным фондом осуществляется на конкурсных основаниях.

Государственное агентство Украины по вопросам кино (Госкино) – центральный орган исполнительной власти, деятельность которого направляется и координируется Кабинетом Министров Украины через Министра культуры и реализующий государственную политику в сфере кинематографии.

О Давиде Черкасском:
Имя Давид в переводе означает «любимый», «любимчик». И Черкасского, действительно, любят все! И взрослые, и дети. И Давид Янович тоже всех любит в ответ. Любит людей, любит женщин, шумные компании, путешествия, жизнь. Он приятно удивляет нас своим редкостным и такой искренней способностью радоваться всему. Но, несмотря на кажущуюся легкость, с которой ему это все удается, его позитивность и оптимизм – это не инфантильные качества, а признак настоящей мудрости. Он умеет смотреть на Мир глазами ребенка. Черкасский всегда дарил окружающему Миру добро с избытком. Да и сам он говорит про свою жизнь открыто и честно:

«У меня очень сомнительные правила жизни. Году в 1980-м мне поручили сделать мультфильм о наркомане. У меня получилась комедия. Хотя я очень старался показать, как это ужасно.

Мне больше нравятся инфантильные люди, чем серьезные. Слово «взрослеет» – очень туманное, ведь это означает и «стареет». Старым можно стать и в двадцать, и в тридцать лет.

Если вдруг исчезнет весь алкоголь, для меня это не будет большой проблемой. Но меня радует, что он никогда не исчезнет. Если на столе не стоят бутылки, то его плоскость не закончена, несовершенна. Бутылки – это как горы.

Я не умею делать трагедии, для этого нужен особый дар. Как и для того, чтобы делать веселое кино.

Как-то так выходит, что денег у меня обычно немного, но они всегда есть. И я их прогуливаю: покупаю книги, еду в горы с друзьями, выпиваю. Я не из породы накопителей. Если бы сокровища капитана Флинта оказались у меня, я бы, наверно, загулял. А, впрочем, не известно. Человек сам себя не знает – запомните это.

К докторам лучше не ходить – всегда что-нибудь да найдут. А когда не ходишь, тебе хорошо, у тебя нет никаких болезней, и чувствуешь себя прекрасно. Я просыпаюсь по утрам радостным. Я считаю, что это уже неплохо в 80 лет. Я где-то прочел: до восьмидесяти лет надо работать, а то, что после – это уже бонус. Водка, сауна, женщины, танцы.
Для меня самое страшное в человеке – это жадность. Таких я просто обхожу стороной. Политика – самое неинтересное из всех человеческих занятий. Я избегаю разговоров о ней, не понимаю в ней и не люблю ее.

Я всегда смеюсь, если кто-то остроумно шутит надо мной. Но я так часто сам над собой смеюсь, что у других крайне мало шансов. Я родился оптимистом, и это большой дар. Может, это и глуповато выглядит, но, я считаю, это счастье. У меня есть знакомые, которым все не нравится: солнце, дождь, буря, отсутствие бури. Они утром просыпаются, и уже начинают ненавидеть тот день, в котором будут жить. Я не позволяю себе унывать. Осталось, в общем-то, не так уж много жить. Почему бы не сделать это весело и красиво?»

Информация пресс центр фестиваля Linoleum

Сообщение На Linoleum покажут документальную картину о Давиде Черкасском появились сначала на MultTov Новости Анимации.

Теплый прием «Дочери», созданный в FAMU (Школа кино и телевидения Академии исполнительских искусств) в Праге, следует тенденции развития анимации в школе. Примечательно, что недавний успех выпускников Яна Саски, который вошел в список номинаций на Оскар в 2016 году с фильмом «Happy End», и Яна Сверака 30 лет назад, чья работа Ropáci (Oil Gobblers) выиграл «Студенческий Оскар» в 1989 году. Еще один детский кукольный фильм из Департамента FAMU Анимационного фильма «Змей» Мартина Сматаны – в этом году вышел в полуфинал «Студенческого Оскара».

«Это большая честь для FAMU, для Чешской Республики и для меня лично», – сказала Кащеева. – «Такой успех повышает ожидания художника и побуждает меня работать еще усерднее».

«Я поздравляю всю команду, которая участвовала в создании фильма, и мы благодарим всех, кто поддерживал нас в создании этого фильма. Быть в финале – это большая честь и мечта», – добавил исполнительный продюсер Пражского FAMU Зузана Рохачова.

Декан FAMU Зденек Голы прокомментировал: «Я очень горжусь достижениями Департамента анимационных фильмов. Это награда за их многолетние усилия, которые в последние годы отражаются в успехах на кинофестивалях и различных наградах. Я хотел бы поблагодарить удивительную команду преподавателей, которой удалось создать отличную систему преподавания, удивительных студентов, которые вдохновляют и поддерживают друг друга, и, конечно, Дарью, для которой этот успех абсолютно заслужен».

Кащеева выбрала совершенно уникальный художественный подход для своего фильма, используя ручную камеру, которую очень трудно реализовать в фильме с марионетками, чтобы добиться очень реалистичных снимков.

«Я в восторге от «Дочери». Дарья показала большой профессионализм, зрелость и талант в подготовке и съемках фильма. С самого начала она относилась к интимному мотиву с большой нежностью, пониманием и даром повествования и оригинальности фильма. Я верю, что этот и без того огромный успех поможет ей не только в создании следующего анимационного фильма, который мы сейчас готовим, но и в ее карьере режиссера. Особенно, если она остается профессиональной и трудолюбивой, в чем я не сомневаюсь», – объясняет Мартин Вандас, продюсер MAUR Film, который поддерживает проект. «Дочь» была поддержана Чешским фондом кино.

Осенняя чешская премьера фильма «Дочь» будет сопровождаться выставкой двух других кукольных фильмов в программе «Тройхлас» («Три голоса»). Эти три проекта были созданы одновременно в трех чешских художественных школах – FAMU, UMPRUM и Западно-чешском университете в Пльзене.

Продюсер Vandas рассматривает выпуск трех фильмов в кино как более длинную анимационную последовательность: «Я считаю, что хотя это и небольшой шаг для чешской анимации, это признак наступления хороших времен, потому что это доказательство того, что мы не хватает таланта и хороших идей, и нам есть что предложить миру. С другой стороны, перед FAMU и другими киношколами и профессионалами в этой области также стоит задача продолжать систематическую и целенаправленную работу. Потому что анимация – это гонка на выносливость».

«Дочь» борется с немецким короткометражкой «Люби меня, бойся меня» (Конрад Вольф, Университет кино в Бабельсберге) и французским фильмом «Политика страусов» (Gobelins, «lécole de l’image») в финале «Студенческий Оскар» Победитель будет объявлен 17 октября в Лос-Анджелесе.

Краткое содержание фильма «Дочь»: в больничной палате дочь вспоминает момент детства, когда в детстве она пыталась поделиться своим опытом ухода за раненой птицей со своим отцом. Момент недопонимания и несостоявшихся объятий растянулся на многие годы вплоть до этой больничной палаты, до того момента, когда оконное стекло разбилось под воздействием маленькой птички.

Заглавное фото и источник Animation Magazine

Сообщение Студенческий финалист Оскара «Дочь» перерождает чешскую анимацию появились сначала на MultTov Новости Анимации.

Как старший вице-президент, генеральный менеджер Disney Plus в Европе и Африке, Брэдли-Джонс будет находиться в офисе Лондона. И будет подконтрольным Яну Кеппену, президенту по телевидению и прямой связи с потребителями в Европе и Африке, и Майклу Пауллу, президенту службы потокового вещания Disney.

В Sky Брэдли-Джонс работал над обновлением услуг по требованию гиганта платного телевидения. В его обязанности также входило руководство запуском сервиса цифровой загрузки Sky Store и высококачественной приставки Sky Q

До Sky он был в BBC Worldwide, сейчас известной как BBC Studios. Там он был руководителем отдела стратегии в коммерческом отделе британского издательства, а затем стал управляющим директором BBC.com и глобального iPlayer. Он провел два года в США во время работы в Worldwide.

Новый сотрудник Диснея начинает свою новую работу в начале 2020 года. Disney Plus начинает свою работу в ноябре в США с программ и шоу, среди которых продукты Disney, Pixar, Marvel, Star Wars и National Geographic. На международном уровне он начнет распространяться в Европе в конце этого года. Дисней сказал, что во всем мире потоковый сервис будет запущен к концу 2021 года.

Заглавное фото и источник Variety

Сообщение Disney нанял Люка Брэдли-Джонса для руководства потоковой передачей в Европе и Африке появились сначала на MultTov Новости Анимации.